Где искусство встречается с реальностью: Жанна Кадырова на Венецианской биеннале 2026

Zhanna Kadyrova
Ukrainian Pavilion
61st International Art Exhibition – La Biennale di Venezia

Жанна Кадырова
Павильон Украины
61-я Международная художественная выставка — Венецианская биеннале

The project “Security Guarantees” by Ukrainian artist Zhanna Kadyrova will be presented at the Pavilion of Ukraine during the 61st International Art Exhibition – La Biennale di Venezia, taking place from May 9 to November 22, 2026.

Проект «Гарантии безопасности» украинской художницы Жанны Кадыровой будет представлен в Павильоне Украины в рамках 61-й Международной художественной выставки — Венецианской биеннале, которая пройдет с 9 мая по 22 ноября 2026 года.

For over two decades, Ukraine has maintained a strong and dynamic presence at La Biennale di Venezia. This year, Kadyrova’s project reflects on themes of fragility and resilience, centering around the sculpture Origami – Olen’ (Deer), originally created in 2019.

На протяжении более чем 20 лет Украина сохраняет активное и заметное присутствие на Венецианской биеннале. В этом году проект Кадыровой обращается к темам хрупкости и устойчивости, в центре которого находится скульптура «Оригами — Олень», созданная в 2019 году.

The sculpture was first installed in Pokrovsk, in the Donetsk region, on the site of a dismantled Soviet jet aircraft that had once carried nuclear weapons. This powerful context adds a deeper historical and symbolic layer to the work.

Изначально скульптура была установлена в Покровске Донецкой области на месте демонтированного советского реактивного самолета, который ранее был носителем ядерного оружия. Этот контекст придает произведению дополнительный исторический и символический смысл.

In 2024, the sculpture was evacuated from the frontline, and its journey has since mirrored key moments in Ukraine’s recent history, raising important questions about the meaning of security guarantees in today’s world.

В 2024 году скульптура была эвакуирована с линии фронта, и ее дальнейший путь стал отражением ключевых событий современной истории Украины, поднимая важные вопросы о значении гарантий безопасности в сегодняшнем мире.

Before arriving in Venice, the artwork will travel across several European cities, including Warsaw, Vienna, Prague, Berlin, Brussels, and Paris, allowing the public to engage with the piece along its route.

Перед тем как оказаться в Венеции, работа будет представлена в ряде европейских городов, включая Варшаву, Вену, Прагу, Берлин, Брюссель и Париж, где зрители смогут увидеть произведение в процессе его путешествия.

The project unfolds across two locations in Venice. The sculpture will be displayed in a public space on Riva Ca’ di Dio, while the Ukrainian Pavilion at the Arsenale will host an exhibition featuring archival materials and video documentation of the sculpture’s evacuation and its journey across Europe.

Проект разворачивается сразу в двух локациях Венеции. Скульптура будет установлена в публичном пространстве на набережной Riva Ca’ di Dio, а в Павильоне Украины в Арсенале будет представлена экспозиция с архивными материалами и видеодокументацией эвакуации и путешествия работы по Европе.

The exhibition “Security Guarantees” is curated by Ksenia Malykh and Leonid Marushchak, while the public programme is curated by Katia Khimei and Ivanna Kozachenko.

Кураторы выставки «Гарантии безопасности» — Ксения Малых и Леонид Марущак, а публичная программа подготовлена Катей Химей и Иванной Козаченко.

The project is реализуется при поддержке Министерства культуры Украины, UNESCO, Sushko Philanthropy, NGO “Museum Open for Renovation” and Promprylad Art Center, highlighting the importance of international collaboration in contemporary art.

Проект реализуется при поддержке Министерства культуры Украины, UNESCO, Sushko Philanthropy, NGO «Museum Open for Renovation» и Promprylad Art Center, подчеркивая важность международного сотрудничества в современном искусстве.

{gallery}zhannakadyrova{/gallery}  

В крупнейшем городе Казахстана, Алматы, успешно прошла 37-я Международная выставка моды Central Asia Fashion Spring 2026, подтвердив свой статус ведущего события в мире моды Центрально-Азиатского региона

A total of 213 exhibiting companies from Kazakhstan, Turkey, China, Austria, Mongolia, India, Russia, Uzbekistan, Germany, France, Italy, and the UAE presented more than 35 categories of fashion products. The exhibition welcomed 9,657 buyers from Kazakhstan, Uzbekistan, Kyrgyzstan, Azerbaijan, Turkmenistan, Tajikistan, and Russia. The key objective of CAF is to provide buyers with the opportunity to be the first to discover Spring–Summer 2026 collections from leading global manufacturers, curate relevant seasonal assortments, and establish and strengthen partnerships with major suppliers of clothing, footwear, and accessories.

213 компаний-экспонентов из Казахстана, Турции, Китая, Австрии, Монголии, Индии, России, Узбекистана, Германии, Франции, Италии и ОАЭ представили более 35 категорий модных товаров. Выставку посетили 9657 байеров из Казахстана, Узбекистана, Кыргызстана, Азербайджана, Туркменистана, Таджикистана и России. Ключевая задача CAF — предоставить им возможность первыми увидеть коллекции сезона Весна–Лето 2026 от ведущих мировых производителей, сформировать актуальный ассортимент и укрепить деловые связи с крупными поставщиками одежды, обуви и аксессуаров.

The Spring 2026 season, held across three pavilions of the Atakent Exhibition Center with a total area of approximately 12,000 square meters, impressed buyers with its diversity — from an extensive selection of outerwear, casual and children’s clothing to a wide range of footwear and accessories. Turkey, as the largest international exhibitor, significantly expanded its presence in the children’s fashion segment. For the first time in a long while, a special trade mission participated, with 18 companies from the Istanbul Textile and Raw Materials Exporters Association (İHKİB) presenting children’s products. In total, 27 companies represented this segment, highlighting strong international interest in the Central Asian market.

Весенний сезон Spring 2026, прошедший сразу в трех павильонах КЦДС «Атакент» на площади около 12 000 кв.м., поразил байеров разнообразием ассортимента — от верхней одежды, повседневной и детской одежды до широкого выбора обуви и аксессуаров. Турция, как крупнейший международный экспонент, значительно усилила присутствие в сегменте детской моды. Впервые за долгое время в выставке приняла участие торговая миссия: 18 компаний Стамбульской ассоциации экспортеров текстиля и сырья (İHKİB) представили продукцию для детей. Всего в этом сегменте участвовали 27 компаний, что подтвердило высокий интерес к рынку Центральной Азии.

Visitors showed strong interest in a cluster of companies from eight regions of Russia, whose stands stood out for their scale and creativity. For the first time, CAF also recorded an expanded participation of exhibitors from China, showcasing around 40 brands of clothing and footwear. Buyers actively took advantage of the opportunity to source fresh collections, particularly in footwear and accessories. The strategic partnership between Euro Shoes and Central Asia Fashion continues to play a key role in the development of these segments in the region.

Большой интерес посетителей вызвал кластер компаний из восьми регионов России, чьи стенды отличались масштабом и креативным подходом. Впервые на CAF было зафиксировано расширенное участие экспонентов из Китая, представивших около 40 брендов одежды и обуви. Байеры активно воспользовались возможностью закупа новых коллекций, особенно в сегментах обуви и аксессуаров. Стратегическое партнерство Euro Shoes и Central Asia Fashion продолжает играть важную роль в развитии этих направлений в регионе.

During the opening ceremony, CATEXPO Director Metin Arslan отметил, что в 2026 году выставке Central Asia Fashion исполнилось 20 лет, подчеркнув её устойчивое развитие как профессиональной B2B-платформы и значимость вклада всех участников. Он также отметил, что в условиях глобальных изменений бизнес становится не только экономическим инструментом, но и источником вдохновения и надежды.

На церемонии открытия директор компании CATEXPO Метин Арслан отметил, что в 2026 году выставке Central Asia Fashion исполнилось 20 лет, подчеркнув её устойчивое развитие как профессиональной B2B-платформы и значимость вклада всех участников. Он также подчеркнул, что в условиях глобальных изменений бизнес становится не только экономической категорией, но и источником настроения и веры в будущее.

The Consul General of Turkey in Kazakhstan, Tugba Alan Ozdenfedakar, highlighted that Turkish investments in Kazakhstan have exceeded 6 billion dollars and emphasized the importance of such exhibitions in strengthening economic and cultural ties between the two countries. She noted the growing trade turnover and expressed confidence in its further expansion.

Генеральный консул Турции в Казахстане Тугба Алан Озденфедакар отметила, что объем турецких инвестиций в Казахстан превысил 6 миллиардов долларов, подчеркнув важность подобных выставок для укрепления экономических и культурных связей между странами. Она также отметила рост товарооборота и выразила уверенность в его дальнейшем увеличении.

The exhibition also featured a runway show by renowned Kazakh designer Aizhan Bekkulova, who presented her collection “Umai,” inspired by petroglyphs and national heritage. The collection combined traditional craftsmanship with contemporary fashion language, leaving a lasting impression on the audience.

В рамках выставки состоялся показ известного казахстанского дизайнера Айжан Беккуловой, представившей коллекцию «Умай», вдохновленную петроглифами и национальным наследием. Коллекция объединила традиционные ремесленные техники с современным языком моды и произвела сильное впечатление на публику.

The business conference of Central Asia Fashion once again proved to be one of the most valuable platforms for industry professionals. In the Spring 2026 season, it featured five expert sessions and one lecture with 32 speakers from different countries, covering topics such as e-commerce, financial strategies, marketing, and the state of the luxury market in Kazakhstan.

Бизнес-конференция Central Asia Fashion вновь подтвердила статус одной из самых ценных площадок для профессионалов индустрии. В сезоне Spring 2026 прошло пять экспертных сессий и одна лекция с участием 32 спикеров из разных стран, охвативших темы электронной коммерции, финансовых стратегий, маркетинга и состояния рынка люкса в Казахстане.

Experts emphasized that the future of fashion lies in adaptability, individuality, and a deep understanding of both global and local trends. Central Asia Fashion continues to serve as a powerful platform for knowledge exchange, inspiration, and the growth of the fashion industry in the region.

Эксперты подчеркнули, что будущее моды связано с адаптивностью, индивидуальностью и глубоким пониманием как глобальных, так и локальных трендов. Central Asia Fashion продолжает оставаться важной платформой для обмена знаниями, вдохновения и развития индустрии моды в регионе.

{gallery}cafspring26{/gallery}  

 

By Zhandarbek Sarsebayev

Our editorial team visited a fascinating exhibition in Paris dedicated to 18th-century fashion and its lasting influence on style and culture. The exhibition offers a rare opportunity to explore the elegance, craftsmanship, and imagination that defined one of the most visually rich periods in fashion history.

Наша редакция посетила в Париже уникальную выставку, посвящённую моде XVIII века и её влиянию на последующие эпохи. Экспозиция позволяет по-новому взглянуть на элегантность, мастерство и художественное воображение, которые сформировали одну из самых ярких эпох в истории моды.

Among the highlights of the exhibition are legendary pieces associated with Marie Antoinette, the iconic queen whose style continues to inspire designers and historians alike. Through these rare objects, visitors can experience the refined aesthetic that once defined the royal court of Versailles.

Одними из главных экспонатов стали легендарные вещи, связанные с Марией-Антуанеттой — культовой королевой, стиль которой до сих пор вдохновляет дизайнеров и историков моды. Эти редкие предметы позволяют почувствовать изысканную эстетику, царившую при дворе Версаля.

The exhibition explores clothing, accessories, and decorative elements characteristic of the 18th century, revealing the extraordinary attention to detail and the importance of craftsmanship in aristocratic fashion. Silk fabrics, intricate embroidery, elaborate ornaments, and refined silhouettes illustrate the sophistication of the era.

Экспозиция демонстрирует одежду, аксессуары и декоративные элементы, характерные для XVIII века, раскрывая невероятное внимание к деталям и важность ремесленного мастерства в аристократической моде. Шёлковые ткани, сложная вышивка, изысканные украшения и утончённые силуэты передают всю роскошь той эпохи.

At the same time, the exhibition shows how the aesthetics of the 18th century continue to influence later creations. Designers across centuries have reinterpreted its forms, textures, and decorative language, transforming historical inspiration into contemporary fashion narratives.

Одновременно выставка показывает, как эстетика XVIII века продолжает вдохновлять более поздние поколения дизайнеров. На протяжении столетий мастера переосмысливали её формы, фактуры и декоративный язык, превращая историческое наследие в современное модное высказывание.

The exhibition will run until April 22, 2026, offering visitors the opportunity to explore the history behind the garments and the cultural context in which they were created. Through the guided tour, guests gain a deeper understanding of how fashion functioned not only as clothing, but also as a symbol of status, identity, and artistic expression.

 

Выставка продлится до 22 апреля 2026 года, предоставляя посетителям возможность познакомиться с историей представленных нарядов и культурным контекстом их создания. Благодаря экскурсии гости могут глубже понять, как мода того времени выступала не только одеждой, но и символом статуса, идентичности и художественного самовыражения.

 

For our editorial team, the exhibition became a journey through time — from the opulence of the royal court to the enduring legacy of 18th-century aesthetics in modern fashion. It is a reminder that the language of style, once born in history, continues to resonate through generations.

Для нашей редакции эта выставка стала настоящим путешествием во времени — от роскоши королевского двора до долгой жизни эстетики XVIII века в современной моде. Она напоминает, что язык стиля, однажды возникший в истории, продолжает звучать сквозь поколения.

{gallery}fashion18century{/gallery}  

 

Grand Palais — Paris, France

By Claude Lisbona and Aytan Mouradova 

Art Capital stands as the largest network of artists in France, a unique federation that brings together several historic salons under one monumental glass roof. Each year, thousands of artists gather beneath the nave of the Grand Palais, transforming it into a vast and vibrant panorama of contemporary creation.

Art Capital — крупнейшая сеть художников во Франции, объединяющая несколько исторических салонов под одной грандиозной стеклянной крышей. Каждый год тысячи художников собираются под сводами Гран-Пале, превращая его в масштабную и живую панораму современного искусства.

The event unites multiple salons into a single cultural constellation: the Salon des Indépendants (the historic successor to the Salon des Refusés), the Salon des Artistes Français, and Salon Comparaisons, among others. Together, they reflect the diversity of artistic languages — from classical traditions to bold contemporary experimentation.

Проект объединяет несколько салонов в единую культурную систему: Salon des Indépendants (наследник знаменитого Салона отверженных), Salon des Artistes Français, Salon Comparaisons и другие. Вместе они демонстрируют разнообразие художественных языков — от академической традиции до смелых современных экспериментов.

Over the years, Art Capital has expanded its international reach. Increasingly, foreign delegations take part in the exhibition, including institutions such as the Singapore Art School, reinforcing the global dialogue that unfolds within the Grand Palais.

С каждым годом Art Capital усиливает международное присутствие. Всё чаще в выставке участвуют зарубежные делегации, включая, например, художественную школу Сингапура, что укрепляет глобальный художественный диалог под сводами Гран-Пале.

Naturally, within such an immense and open platform, the quality of works varies considerably. Yet this democratic spirit — where emerging talents exhibit alongside established artists — remains at the heart of the event’s identity. And among the multitude, there are always a few remarkable discoveries waiting to be found.

Разумеется, при столь масштабной и открытой платформе уровень представленных работ может значительно различаться. Однако именно эта демократичность — возможность для начинающих художников выставляться рядом с признанными мастерами — и составляет сущность события. И среди множества работ всегда находятся настоящие открытия.

This year, animal artists have particularly stood out. Whether through hyperrealist painting, expressive sculpture, or poetic reinterpretations of wildlife, their works captured attention with technical mastery and emotional depth, offering some of the exhibition’s most memorable moments.

В этом году особенно ярко проявили себя художники-анималисты. Будь то гиперреалистичная живопись, выразительная скульптура или поэтические интерпретации образов животных, их произведения привлекали внимание мастерством исполнения и эмоциональной силой, став одними из самых запоминающихся на выставке.

Art Capital remains, above all, a living organism — a vast artistic crossroads where tradition meets experiment, and where, beneath the luminous canopy of the Grand Palais, art continues to reinvent itself year after year.

Art Capital остаётся, прежде всего, живым организмом — масштабным художественным перекрёстком, где традиция встречается с экспериментом и где под светлым сводом Гран-Пале искусство ежегодно заново изобретает себя.

{gallery}artcapital26{/gallery}  

 

 

Musée Soulages, Rodez
April 11 – September 13, 2026

Весной 2026 года музей Soulages в Родезе представит выставку одного из крупнейших фотографов нашего времени — Хироси Сугимото.

In the spring of 2026, the Musée Soulages in Rodez will present an exhibition dedicated to one of the most important photographers of our time, Hiroshi Sugimoto.

Весной 2026 года музей Soulages в Родезе представит выставку одного из крупнейших фотографов современности — Хироси Сугимото.

Sugimoto’s work places the notion of time at its very core — a concept equally central to Pierre Soulages, who stated in 1963 in conversation with philosopher Jean Grenier: “Time seems to me one of the concerns my painting bears witness to; it is time that stands at the center of my approach as a painter, time and its relationship with space.”

Творчество Сугимото обращено к понятию времени — теме, столь же важной для Пьера Сулажа, который в 1963 году в беседе с философом Жаном Гренье говорил: «Время представляется мне одной из главных тем, о которых свидетельствует моя живопись; именно время и его связь с пространством находятся в центре моего художественного поиска».

Sugimoto’s photographs also share with Soulages a profound exploration of light and shadow, a recurring formal interest in the horizon line, spatial perception, and the architectural dimension of the artwork.

Фотографии Сугимото перекликаются с искусством Сулажа вниманием к свету и тени, устойчивым интересом к линии горизонта, к пространству и к архитектурной природе произведения.

The exhibition will bring together eight series spanning the entirety of the Japanese artist’s career — from the 1970s to the present day — each resonating with Soulages’ paintings in a subtle and contemplative dialogue.

Экспозиция объединит восемь серий, охватывающих весь творческий путь японского мастера — от 1970-х годов до наших дней, — вступающих в тонкий и созерцательный диалог с живописью Сулажа.

This project is the result of close collaboration with the artist and his New York studio, ensuring a presentation faithful to his vision.

Выставка стала результатом тесного сотрудничества с художником и его нью-йоркской студией, что гарантирует точное воплощение авторского замысла.

Deeply informed by art history, philosophical reflection on the image, and an exceptional technical mastery, Sugimoto’s photography questions the very limits and conditions of representation, hovering at the edge of a pictorial imagination.

Опираясь на историю искусства, философию изображения и безупречную техническую точность, фотография Сугимото исследует границы и условия репрезентации, балансируя на грани живописного воображения.

His approach finds unexpected affinities both with traditional Japanese literati painting and with the abstract movements of the second half of the twentieth century.

Его художественный метод обнаруживает точки соприкосновения как с традиционной японской живописью учёных, так и с абстрактными направлениями второй половины XX века.

Born in Tokyo in 1948, Sugimoto graduated from Saint Paul’s University in 1970 and later from the Art Center College of Design in Los Angeles in 1974. That same year, he moved to New York, where he established his career. Since then, he has lived and worked between the United States and Japan, founding the Odawara Art Foundation in 2009, dedicated to Japanese culture and the arts.

Хироси Сугимото родился в Токио в 1948 году. В 1970 году он окончил университет Святого Павла в Токио, а в 1974 — Art Center College of Design в Лос-Анджелесе, после чего переехал в Нью-Йорк. С тех пор художник живёт и работает между США и Японией, где в 2009 году основал Odawara Art Foundation, посвящённый японской культуре и искусству.

Marked by remarkable diversity, the exhibition unfolds as a meditative promenade through the temporary exhibition galleries, with scenography conceived by the artist himself. It will also extend into selected spaces of the permanent collection, creating subtle visual correspondences.

Отличающаяся многообразием, выставка выстроена как медитативная прогулка по залу временных экспозиций, чья сценография разработана самим художником, и частично продолжится в пространствах постоянной коллекции.

This presentation constitutes a major event in France. While Sugimoto has been exhibited here before, previous projects have taken very different forms.

Эта выставка станет значительным событием для Франции. Ранее работы Сугимото уже демонстрировались в стране, однако в иных форматах.

His most recent French exhibition took place in 2024 at the Institut Giacometti in Paris, presenting a dialogue with the sculptor’s work through the single series Past Presence. Earlier, his works were shown at the Château de Versailles in 2018 and at the Palais de Tokyo in 2014.

Последняя выставка художника во Франции прошла в 2024 году в Институте Джакометти в Париже и представляла диалог с наследием скульптора через серию Past Presence. Ранее его произведения экспонировались в 2018 году в Версале и в 2014 году в Palais de Tokyo.

Internationally, Sugimoto’s career has been even more prominent, with major retrospectives in Beijing, London, and Sydney in 2023, as well as exhibitions at the Tel Aviv Museum of Art and the Royal Museums of Fine Arts of Belgium in 2018, The Phillips Collection in Washington in 2015, the Getty Center in Los Angeles in 2014, the Scottish National Gallery of Modern Art in Edinburgh in 2011, and the Fine Arts Museums of San Francisco in 2007.

На международной сцене карьера Сугимото ещё более масштабна: крупные ретроспективы прошли в Пекине, Лондоне и Сиднее в 2023 году; выставки состоялись в Тель-Авивском музее искусства и Королевских музеях изящных искусств Бельгии в 2018 году, в Phillips Collection в Вашингтоне в 2015-м, в Getty Center в Лос-Анджелесе в 2014-м, в Scottish National Gallery of Modern Art в Эдинбурге в 2011-м и в Fine Arts Museums of San Francisco в 2007 году.

Through Reprendre la mélodie, the Musée Soulages invites visitors into a profound reflection on time, light, and silence — a dialogue between two artists whose works transcend geography and generations.

Выставка Reprendre la mélodie в музее Soulages приглашает зрителя к глубокому размышлению о времени, свете и тишине — к диалогу двух художников, чьи произведения выходят за пределы стран и эпох.

Le trésor retrouvé du Roi-Soleil 

Обретенное сокровище Короля-Солнце

By Claude Lisbona and Aytan Mouradova 

Grand Palais, Paris Гран-Пале, Париж 

The "great Persian-style carpet," a monumental work consisting of 92 individual rugs joined edge-to-edge, was originally intended to adorn the first floor of the Grande Galerie. Stretching 440 meters in length, it was designed to lead the King’s guests from the Grand Apartments to the throne room in the Pavilion de la Rivière, now known as the Pavilion de Flore. 

«Большой ковер в персидском стиле», монументальное произведение из 92 ковров, соединенных в ширину, должен был украсить второй этаж Большой галереи Лувра. Эта галерея длиной 440 метров служила торжественным путем для гостей короля: она вела из Больших покоев в тронный зал, располагавшийся в павильоне Ривьер (ныне павильон Флора). 

At the dawn of Louis XIV’s reign, his minister Jean-Baptiste Colbert sought to master the art of tapestry in France. His goal was twofold: to develop national manufactures and reduce imports, while projecting the King’s glory far beyond French borders. There was no better statement than this titanic commission. The King’s painter, Charles Le Brun, designed all the cartoons, and the Savonnerie manufactory wove the set between 1668 and 1688 using the knotted-pile technique. Yet, despite its grandeur, there is no evidence the decor was ever fully installed; in the meantime, Louis XIV had abandoned the Louvre for the Palace of Versailles. 

В самом начале правления Людовика XIV его министр Жан-Батист Кольбер стремился довести искусство шпалеры во Франции до совершенства. Он хотел не только развить мануфактуры и ограничить импорт, но и прославить имя короля далеко за пределами страны. Гигантский заказ стал лучшим воплощением этих амбиций. Первый живописец короля Шарль Лебрен подготовил все эскизы (картоны), а мануфактура Савоннери ткала этот ансамбль в технике узлового плетения с 1668 по 1688 год. И все же декор так и не занял свое место: за это время Людовик XIV покинул Лувр, перенеся резиденцию в Версаль. 

The fate of this incredible collection followed the turbulent shifts of history, through Napoleonic revivals, diplomatic gifts, cutting, and sales. Some carpets eventually graced embassies and high offices of power—such as the President of the Republic’s desk—or witnessed historic moments like the signing of the Treaty of Versailles in 1919. Today, only 41 of these carpets are known to exist; about thirty of them have been reunited here. 

Судьба этого невероятного ансамбля была полна превратностей: его вновь чествовали при Наполеоне, раздаривали в качестве дипломатических подношений, разрезали и распродавали. Некоторые фрагменты удостоились чести украшать посольства и высшие кабинеты власти (включая рабочий стол Президента Республики) или становиться фоном для великих событий, таких как подписание Версальского договора в 1919 году. До наших дней сохранился лишь 41 ковер, и около тридцати из них представлены на этой выставке. 

To evoke the 17th-century Grande Galerie, the Grand Palais has displayed the "Story of the King" hangings in parallel. These were woven at the Gobelins (1665–1681), also based on cartoons by Charles Le Brun, created with painter Adam Frans Van der Meulen and eight master cartoonists across 14 episodes. 

Чтобы воссоздать облик Большой галереи Лувра XVII века, Гран-Пале разместил напротив ковров серию шпалер «История короля». Они были сотканы на мануфактуре Гобеленов (1665–1681) также по эскизам Шарля Лебрена при участии батального живописца Адама Франса ван дер Мейлена и восьми мастеров-картонщиков в 14 эпизодах. 

{gallery}roidusoleil26{/gallery}  

 

Maison & Objet возвращается в Париж 15 января 2026 года

By Damien Theurelle

From January 15 to 19, 2026, Maison & Objet will once again take over the Parc des Expositions Paris Nord Villepinte for a new edition themed “Past reveals future”, reaffirming its ambition to reconnect contemporary design with its roots in order to better shape what lies ahead.
С 15 по 19 января 2026 года выставка Maison & Objet вновь пройдёт в выставочном центре Paris Nord Villepinte. Новая редакция будет посвящена теме «Past reveals future», подчёркивая стремление организаторов переосмыслить корни современного дизайна, чтобы яснее очертить его будущее.

A must-attend event for professionals in decoration, design, and the art of living, Maison & Objet explores this theme through a forward-looking analysis developed by the Goodmoods trend bureau. The reflection is structured around four key manifestos: metamorphosis, mutation, baroque, and neo-folklore.
Будучи ключевой площадкой для профессионалов в сфере декора, дизайна и lifestyle, Maison & Objet раскрывает тему через аналитический и прогностический взгляд бюро трендов Goodmoods. Концепция строится вокруг четырёх манифестов: метаморфоза, мутация, барокко и нео-фольклор.

Maison & Objet brings together the entire design ecosystem across six major sectors, distributed over seven exhibition halls. Signature and Projects focus on high-end design, hospitality, and bespoke projects. Decor and Design encompass decoration, furniture, lighting, textiles, and tableware.
Maison & Objet объединяет весь экосистемный ландшафт дизайна в рамках шести ключевых направлений, представленных в семи выставочных павильонах. Раздел Signature и Projects посвящён премиальному дизайну, гостиничному сегменту и индивидуальным проектам. Зона Decor и Design охватывает декор, мебель, освещение, текстиль и сервировку стола.

The Craft sector highlights exceptional craftsmanship and artisanal savoir-faire, while Fragrance and Wellness explore the worlds of scents and well-being. Fashion and Accessories present fashion, jewelry, and accessories, and Gift and Play complete the offer with gifts, toys, and lifestyle concepts.
Сектор Craft акцентирует внимание на ремёслах и уникальных техниках ручной работы, Fragrance и Wellness погружают в мир ароматов и благополучия. Fashion и Accessories представляют моду, украшения и аксессуары, а Gift и Play дополняют экспозицию подарками, игрушками и lifestyle-концепциями.

Halls 1 and 2 will also host the eco-responsible Design Collective, integrated into the Signature and Projects universes. This space brings together an international selection of manufacturers specializing in eco-designed materials and surfaces for interior architecture, decoration, and furniture.
В павильонах 1 и 2 будет представлен экодизайнерский коллектив, интегрированный в пространства Signature и Projects. Здесь собраны международные производители экологичных материалов и покрытий для интерьерной архитектуры, декора и мебели.

Through this initiative, Maison & Objet reinforces its role as a driving force in promoting responsible solutions, without compromising on aesthetics or innovation.
Таким образом, Maison & Objet подтверждает свою роль движущей силы в продвижении устойчивых решений, не жертвуя при этом эстетикой и инновационным подходом.

Alongside the trade fair, Maison & Objet In the City offers a dedicated itinerary exclusively for professionals, connecting the exhibition to 100 key addresses within the Parisian design scene. Decorators, interior architects, galleries, major maisons, and artisans welcome international visitors across the city.
Параллельно с выставкой проект Maison & Objet In the City предлагает профессиональный маршрут, соединяющий салон со 100 знаковыми адресами парижской индустрии декора. Декораторы, интерьерные архитекторы, галереи, крупные дома и ремесленники принимают международных гостей по всему Парижу.

Nearly 1,200 journalists are expected, positioning the event as a powerful platform for visibility and business opportunities for brands involved in major international projects.
Ожидается около 1 200 журналистов, что делает событие важным инструментом для повышения узнаваемости и развития бизнеса брендов, ориентированных на международные проекты.

The January 2026 edition will bring together 2,300 brands, including 500 newcomers, across six sectors and seven halls. In 2025, the show welcomed 38,763 French visitors, representing 56 percent of the total, and 30,323 international visitors, accounting for 44 percent.
Январская редакция 2026 года объединит 2 300 брендов, из которых 500 примут участие впервые. В 2025 году выставку посетили 38 763 французских профессионала (56%) и 30 323 международных гостя (44%).

Maison & Objet In the City builds on the experience of Paris Design Week, now one of Europe’s leading design festivals, with 550 participants and more than 250,000 professionals and design enthusiasts in attendance.
Maison & Objet In the City опирается на опыт Paris Design Week, которая сегодня считается одним из ведущих дизайн-фестивалей Европы и объединяет 550 участников и более 250 000 профессионалов и ценителей дизайна.

{gallery}masionobjet26{/gallery}  

Bisazza: торжество дизайна и ремесленного мастерства в Париже

By Aytan Mouradova

On January 18, Bisazza hosted a special presentation at its Paris showroom, bringing together design professionals, creatives, and admirers of contemporary luxury décor. The event highlighted the brand’s distinctive vision, where innovation, craftsmanship, and timeless elegance converge.
18 января в парижском шоуруме Bisazza прошла презентация, объединившая профессионалов индустрии дизайна, креативное сообщество и ценителей современной роскоши. Мероприятие подчеркнуло уникальное видение бренда, в котором инновации, ремесленное мастерство и вневременная элегантность существуют в гармонии.

Bisazza is one of the world’s leading luxury brands in the design sector and a global reference in the production of glass mosaic for interior and exterior decoration. Its mosaics have long been synonymous with excellence, precision, and artistic expression.
Bisazza является одним из ведущих мировых люксовых брендов в сфере дизайна и признанным лидером в производстве стеклянной мозаики для интерьеров и экстерьеров. Продукция бренда давно стала синонимом высокого качества, точности исполнения и художественной выразительности.

In recent years, the company has expanded its collections by introducing new decorative offerings developed through the careful exploration of innovative materials. These creations combine contemporary design with the enduring charm of artisanal craftsmanship.
В последние годы компания значительно расширила свои коллекции, представив новые декоративные решения, созданные в результате тщательной работы с инновационными материалами. Эти объекты объединяют современный дизайн с неподвластным времени очарованием ручного труда.

Today, Bisazza offers an extensive range of luxury décor and furnishings suitable for both indoor and outdoor spaces. Each piece reflects a unique style that reinterprets classic aesthetics through a contemporary lens, seamlessly blending elements of fashion and design.
Сегодня Bisazza предлагает широкий ассортимент предметов роскошного декора и мебели, подходящих как для жилых интерьеров, так и для открытых пространств. Каждый объект воплощает уникальный стиль бренда, который придаёт классике современное звучание, соединяя моду и дизайн.

For more than twenty-five years, Bisazza has collaborated with internationally renowned designers, establishing itself as a true reference point in the world of design. These creative partnerships have resulted in temporary installations for global events, bold architectural projects, and distinctive collections.
Более двадцати пяти лет Bisazza сотрудничает с всемирно известными дизайнерами, утвердившись в статусе одного из ключевых ориентиров в мире дизайна. Результатом этих коллабораций стали временные инсталляции для международных событий, смелые архитектурные проекты и уникальные коллекции.

Among the many collaborators are iconic names from the worlds of architecture, art, design, and fashion, including Shigeru Ban, Tom Dixon, Fornasetti, Jaime Hayon, India Mahdavi, Patricia Urquiola, Marcel Wanders, Studio Job, Ettore Sottsass, and Emilio Pucci Maison, among many others.
Среди партнёров бренда — знаковые фигуры из мира архитектуры, искусства, дизайна и моды, такие как Шигеру Бан, Том Диксон, Fornasetti, Хайме Айон, Индия Махдави, Патрисия Уркиола, Марсель Вандерс, Studio Job, Этторе Соттсасс и Emilio Pucci Maison и многие другие.

Founded in 1956 by Renato Bisazza in Alte, Vicenza, in Northern Italy, the company has become a true pioneer, driven by entrepreneurial dynamism, mastery of advanced technologies, and a keen ability to anticipate global market trends.
Основанная в 1956 году Ренато Бизацца в Альте, провинция Виченца на севере Италии, компания стала настоящим новатором, отличающимся предпринимательской энергией, владением современными технологиями и умением предугадывать запросы мирового рынка.

Today, Bisazza’s international distribution network includes flagship stores in London, Milan, New York, and Paris, as well as more than 2,800 local retailers worldwide — a testament to the brand’s enduring influence and global reach.
Сегодня международная дистрибьюторская сеть Bisazza включает флагманские бутики в Лондоне, Милане, Нью-Йорке и Париже, а также более 2 800 локальных ритейлеров по всему миру, что подтверждает устойчивое влияние бренда и его глобальный масштаб.

{gallery}bisazza26{/gallery}  

Kreo: иконы XXI века

By Claude Lisbona

Christie’s Paris, France

The kreo gallery takes over several salons of Christie’s Paris auction house with a curated selection of around eleven iconic pieces created over the past thirty years.
Галерея kreo занимает несколько залов аукционного дома Christie’s Paris, представляя тщательно отобранную коллекцию из примерно одиннадцати знаковых объектов, созданных за последние тридцать лет.

Among the highlights are works by designers Roman and Erwan Bouroullec, including a console and a blurred mirror, emblematic of their refined and poetic approach to design.
Среди ключевых экспонатов — работы Романа и Эрвана Буруллеков, в том числе консоль и «размытое» зеркало, отражающие их утончённый и поэтичный взгляд на дизайн.

Marco Campardo is also featured with a vibrant resin side table. The designer recently drew attention at PAD Paris with his striking red resin desk, confirming his bold and experimental language.
В экспозиции представлен и Марко Кампардо с ярким приставным столиком из смолы. Совсем недавно дизайнер привлёк внимание на PAD Paris своим эффектным рабочим столом из красной смолы, подтвердив смелость и экспериментальность своего подхода.

The selection continues with Maarten Van Severen’s shelving systems, whose minimalist rigor contrasts beautifully with the more narrative pieces in the exhibition.
Экспозицию дополняют стеллажи Маартена Ван Северена, минималистичная строгость которых изящно контрастирует с более повествовательными объектами выставки.

Studio Front presents mirrors that always tell a story — from obsidian-inspired surfaces to mirrors traditionally worn at the waist in China, here reimagined in a large-scale format.
Студия Front представляет зеркала, которые неизменно рассказывают историю — от поверхностей, вдохновлённых обсидианом, до зеркал, которые в Китае традиционно носили на поясе, здесь переосмысленных в крупном формате.

Also on display are a mirror by Virgil Abloh and playful animal-shaped mirrors by Jaime Hayon, adding layers of cultural references and imagination to the exhibition.
Среди экспонатов — зеркало Вирджила Абло и игривые зеркала в форме животных от Хайме Айона, привносящие в экспозицию дополнительные культурные смыслы и фантазию.

A true highlight of the presentation is Hella Jongerius’s utterly surreal “frog desk” — a daring and unconventional piece that perfectly embodies the experimental spirit of contemporary design.
Настоящей кульминацией выставки становится полностью сюрреалистичный «стол-лягушка» Хеллы Йонгериус — смелый и нестандартный объект, идеально воплощающий экспериментальный дух современного дизайна.

{gallery}kreo{/gallery}  

Gallery kreo
https://share.google/0NtRncIEjcrAcQvHB

«Небесная одиссея» в церкви Сент-Эсташ

L’Odyssée Céleste at Saint Eustache is a breathtaking immersive journey where light, architecture, music, and technology merge into a cosmic experience. After the success of its first editions, Luminiscence returns to Paris on January 23, 2026 with a new creation that opens a spectacular new chapter in its artistic adventure.

«Небесная одиссея» в церкви Сент-Эсташ — это захватывающее иммерсивное путешествие, где свет, архитектура, музыка и технологии сливаются в космический опыт. После успеха первых показов Luminiscence возвращается в Париж 23 января 2026 года с новой постановкой, открывающей впечатляющую главу в художественной истории проекта.

Designed as a true technological masterpiece, L’Odyssée Céleste is the first immersive show entirely conceived in three dimensions and projected inside a historic monument, transforming sacred architecture into a living universe of light.

Созданный как настоящий технологический шедевр, «Небесная одиссея» — это первое иммерсивное шоу, полностью разработанное в трёхмерном пространстве и спроецированное внутри исторического памятника, превращающее сакральную архитектуру в живую вселенную света.

Through monumental projections, gothic verticality is revealed in a new way, as architectural details dissolve into cosmic landscapes, creating a dialogue between heritage, live music, and cutting-edge innovation.

Благодаря масштабным проекциям готическая вертикаль открывается по-новому, а архитектурные элементы превращаются в космические пейзажи, создавая диалог между историческим наследием, живой музыкой и передовыми технологиями.

The experience invites audiences on a poetic and sensory voyage, exploring how nature inspires art, how art gives life to matter, and how human connection endures through time.

Спектакль приглашает зрителей в поэтическое и чувственное путешествие, раскрывая, как природа вдохновляет искусство, как искусство оживляет материю и как человеческие связи сохраняются сквозь время.

At the heart of the scenography stands the NIMB, a monumental luminous halo nearly three meters in diameter, inspired by ancient aureoles and reimagined as a living, narrative element of light.

В центре сценографии находится NIMB — монументальный световой нимб диаметром почти три метра, вдохновлённый древними ореолами и переосмысленный как живая, повествовательная форма света.

Installed in the choir of Saint Eustache, it structures the entire stage space and becomes the visual and emotional anchor of the performance, enhanced by 360 degree projections and dynamic light mapping.

Размещённый в хоре церкви Сент-Эсташ, он формирует всё сценическое пространство и становится визуальным и эмоциональным центром спектакля, дополненным 360-градусными проекциями и динамическим световым мэппингом.

The NIMB combines addressable LED technology, projection, and sculptural lighting into a singular aesthetic that elevates every dramatic moment of the show.

NIMB объединяет адресуемые LED, проекцию и световую скульптуру в единую эстетику, усиливающую каждый ключевой момент представления.

Music plays a central cinematic role, acting as the invisible thread that links images and emotions throughout the experience, not merely accompanying the light but telling a story alongside it.

Музыка играет ключевую кинематографическую роль, становясь невидимой нитью, соединяющей образы и эмоции, не просто сопровождая свет, а рассказывая историю вместе с ним.

The original soundtrack reinterprets masterpieces by Satie, Beethoven, and Vivaldi through a contemporary lens, enriched by immersive sound design that blends textures, impacts, and resonances.

Оригинальный саундтрек переосмысливает произведения Сати, Бетховена и Вивальди в современной интерпретации, дополненной иммерсивным звуковым дизайном с текстурами, импульсами и резонансами.

Performed by the Slovak Philharmonic Orchestra with more than fifty musicians and twenty four singers, the music surrounds the audience through an innovative spatial audio system designed specifically for the exceptional acoustics of Saint Eustache.

Исполненная Словацким филармоническим оркестром более чем из пятидесяти музыкантов и двадцати четырёх вокалистов, музыка окружает зрителей благодаря инновационной пространственной аудиосистеме, созданной специально для уникальной акустики Сент-Эсташ.

Behind this sonic universe are composers and sound designers Guillaume Coignard and Samuel Sené, whose work bridges symphonic orchestration, vocal writing, and immersive sound design.

За этим звуковым миром стоят композиторы и саунд-дизайнеры Гийом Куаньяр и Самюэль Сене, соединяющие симфоническую оркестровку, вокальную драматургию и иммерсивный саунд-дизайн.

With over fifty years of combined experience and collaborations with legendary venues such as Abbey Road, Grand Rex, and Disneyland Paris, their signature lies in cinematic, emotional, and immersive musical storytelling.

Имея за плечами более пятидесяти лет совместного опыта и проекты с такими легендарными площадками, как Abbey Road, Grand Rex и Disneyland Paris, они известны своим кинематографичным, эмоциональным и иммерсивным музыкальным стилем.

L’Odyssée Céleste at Saint Eustache is not just a show, but a luminous encounter between spirituality, architecture, and technology, where light becomes matter, music becomes movement, and the sacred becomes a living cosmos.

«Небесная одиссея» в Сент-Эсташ — это не просто спектакль, а световая встреча духовности, архитектуры и технологий, где свет становится материей, музыка — движением, а сакральное — живым космосом.

{gallery}lodyssee{/gallery}