Мода в величии. От-кутюр и традиции при дворе Таиланда

By Claude Lisbona 

Musée des Arts Décoratifs. Paris, France

After 340 years, Thailand has dispatched a new embassy. This time, however, its destination is not Versailles to impress King Louis XIV, nor will it arrive in gilded carriages. Instead, the diplomacy unfolds at the Musée des Arts Décoratifs in Paris, where the sumptuous wardrobe of Queen Sirikit is set to dazzle every visitor. Art and costume, as major diplomatic instruments, possess an unrivaled ability to express the very spirit of a nation.

Спустя 340 лет Таиланд направляет новое посольство. На этот раз целью визита стал вовсе не Версаль, чтобы произвести впечатление на короля Людовика XIV, и здесь не будет золотых карет. Нет, всё происходит в Музее декоративного искусства в Париже, где роскошный гардероб королевы Сирикит призван ослепить каждого посетителя. Искусство и костюм, будучи важнейшим дипломатическим оружием, умеют лучше всего выразить дух нации.

Starting with eight traditional Thai costumes, Queen Sirikit worked tirelessly to modernize her country’s craftsmanship while preserving distinct forms and techniques of weaving and embroidery. Her collaboration with Pierre Balmain proved paramount. She provided the fabrics—particularly the ikat textiles she held in high regard—and defined the embroidery motifs that would later be executed by François Lesage. Drawing inspiration from traditional attire, the couturier streamlined the silhouettes of the Thai Ruean Ton (a front-buttoned bodice with three-quarter sleeves and a waist-wrapped ankle-length skirt), the Thai Chitralada (similar to the former but featuring long sleeves and a standing collar), the Thai Amarin (crafted from brilliant silk or metallic-thread brocade), and the Thai Boromphiman (a fitted bodice stitched to a front-pleated skirt with a traditional belt).

Взяв за основу 8 традиционных тайских костюмов, королева Сирикит неустанно модернизировала ремесленное производство своей страны, одновременно сохраняя определенные формы и техники ткачества и вышивки. Её сотрудничество с Пьером Бальменом имело первостепенное значение. Она поставляла ткани, особенно ткани икат, которые особенно ценила, и мотивы для вышивок, которые затем выполнял Франсуа Лесаж. Кутюрье упростил силуэт, взяв за основу традиционные костюмы: Тай Рюан Тон (блуза с пуговицами спереди и рукавами три четверти, а также юбка, оборачиваемая вокруг талии до щиколотки), Тай Читралада (как и предыдущий, но блуза с длинными рукавами и воротником-стойкой), Тай Амарин (из блестящего шелка или парчи с металлическими нитями) или Тай Боромпиман (приталенная блуза, соединенная с юбкой со складками спереди и традиционным поясом).

The accessories—including hats, shoes, and woven bags resembling fine metallic filigree—with which she accented her outfits further demonstrated this seamless alliance between East and West.

Аксессуары — шляпы, обувь и сумки (плетеные сумки, напоминающие металлические нити), которыми она дополняла свои образы, также стали демонстрацией этого союза Востока и Запада.

Wherever she traveled alongside King Rama IX during their official state tours of Europe and the United States in 1960, her elegance was universally praised, quickly landing her on the covers of numerous high-fashion magazines.

Где бы она ни появлялась в сопровождении короля Рамы IX во время их официального турне по Европе и США в 1960 году, её элегантность повсюду вызывала восхищение. Уже тогда она украшала обложки многочисленных журналов.

Following in her footsteps, Her Majesty Queen Suthida and Her Royal Highness Princess Sirivannavari Nariratana Rajakanya continue this costume diplomacy. They further cultivate Thailand's unique sartorial identity through the Princess’s own fashion house and other prominent local designers.

Вслед за ней Ее Величество королева Сутида и Ее Королевское Высочество принцесса Сириваннавари Нариратана Раджаканья продолжают эту дипломатию костюма, развивая аутентичную тайскую моду как через собственный модный дом принцессы, так и с помощью других дизайнеров Таиланда.

Fashion in Majesty: Haute Couture and Tradition at the Court of Thailand – running from May 13 to November 1, 2026.

«Мода в величии. От-кутюр и традиции при дворе Таиланда» — с 13 мая по 1 ноября 2026 года.

{gallery}louis142026{/gallery}  

By Claude Lisbona

From May 21 to June 30, 2026, the Russian Orthodox Spiritual and Cultural Center in Paris celebrated its 10th anniversary with the exhibition “Magnificence of Russian Painting of the 19th–20th Centuries: Masterpieces from the Vladimir Peshich Collection.” The exhibition became a remarkable cultural event, inviting visitors to immerse themselves in the richness and evolution of Russian art across nearly one and a half centuries.

С 21 мая по 30 июня 2026 года Российский духовно-культурный православный центр в Париже отметил своё 10-летие выставкой «Великолепие русской живописи XIX–XX веков. Шедевры из Собрания Владимира Пешича». Экспозиция стала значимым культурным событием, пригласив гостей погрузиться в богатство и эволюцию русского искусства на протяжении почти полутора столетий.

The exhibition was conceived as a visual journey through 150 years of Russian artistic history. Eighteen exceptional works were presented, representing twelve major movements of Russian art from the 19th and 20th centuries, including Realism, Impressionism, Post-Impressionism, Russian Modern, Neo-Russian Style, Cubism, Cubo-Futurism, Suprematism, Constructivism, Socialist Realism, Nonconformism, and Expressionism.

Экспозиция была задумана как визуальное путешествие сквозь 150 лет истории русского искусства. На выставке были представлены 18 выдающихся произведений, отражающих двенадцать ключевых направлений русского искусства XIX–XX веков, среди которых реализм, импрессионизм, постимпрессионизм, русский модерн, неорусский стиль, кубизм, кубофутуризм, супрематизм, конструктивизм, соцреализм, нонконформизм и экспрессионизм.

Each artwork carried significant artistic value, bringing together masterpieces and creations by renowned Russian artists. Beyond its aesthetic dimension, the exhibition also offered an educational perspective, introducing visitors not only to the diversity of Russian artistic movements, but also to important moments in the history of Russia itself.

Каждое произведение обладало высокой художественной ценностью, объединяя шедевры и работы знаменитых русских художников. Помимо эстетической составляющей, выставка имела и просветительскую миссию, знакомя публику не только с многообразием художественных направлений России, но и с важнейшими моментами российской истории.

One of the most remarkable aspects of the exhibition was that all paintings were shown to the public for the very first time. This exclusivity added a special sense of discovery and rarity to the project, making the exhibition particularly anticipated among collectors, art historians, and admirers of Russian culture.

Одной из самых примечательных особенностей выставки стало то, что все картины были впервые представлены широкой публике. Эта исключительность придала проекту особое ощущение открытия и редкости, сделав выставку особенно ожидаемой среди коллекционеров, искусствоведов и поклонников русской культуры.

The exhibition take place in the Branly Exhibition Hall on the first floor of the center and welcomes visitors daily from 2:00 PM to 7:00 PM. Set in the heart of Paris, the event highlighted the enduring dialogue between Russian cultural heritage and the international art world.

Выставка проходит в выставочном зале Бранли на первом этаже центра и открыта для посетителей ежедневно с 14:00 до 19:00. В самом сердце Парижа проект подчеркнул продолжающийся диалог между русским культурным наследием и международным художественным сообществом.

{gallery}peshich26exh{/gallery}  

В Алматы прошел международный форум «PRO ЖИЗНЬ»: настоящий диалог между пациентами и врачами

The international forum “PRO ЖИЗНЬ” became one of the most meaningful and inspiring events held in Almaty this spring — a space where medicine met humanity, and where conversations about life, hope, recovery, and strength were spoken openly and sincerely. On May 21, 2026, doctors, patients, experts, and speakers from Kazakhstan and abroad gathered to create not just a conference, but a true dialogue without fear, distance, or formal barriers.

Международный форум «PRO ЖИЗНЬ» стал одним из самых значимых и вдохновляющих событий этой весны в Алматы — пространством, где медицина встретилась с человечностью, а разговоры о жизни, надежде, восстановлении и силе прозвучали открыто и искренне. 21 мая 2026 года врачи, пациенты, эксперты и спикеры из Казахстана и зарубежья собрались вместе, чтобы создать не просто конференцию, а настоящий диалог без страха, дистанции и формальных рамок.

Today, the topic of oncology remains critically important for Kazakhstan. Around 246,000 oncology patients are officially registered in the country, with more than 32,000 living in Almaty alone. Every day, approximately 113 people hear a diagnosis that changes their lives forever. Yet alongside these alarming numbers, another reality exists: more and more people continue living full lives after treatment, proving that cancer is no longer a sentence, but a journey that requires support, understanding, rehabilitation, and community.

Сегодня тема онкологии остается критически важной для Казахстана. В стране официально зарегистрировано около 246 000 онкопациентов, более 32 000 из которых проживают в Алматы. Каждый день примерно 113 человек узнают диагноз, который меняет жизнь навсегда. Но рядом с этой тревожной статистикой существует и другая реальность: всё больше людей продолжают жить полноценной жизнью после лечения, доказывая, что рак — это уже не приговор, а путь, который требует поддержки, понимания, реабилитации и сообщества.

What made the forum especially powerful was its format. Instead of distant lectures and formal presentations, participants experienced real communication with oncologists, gynecologists, psychologists, nutrition specialists, cosmetologists, and legal experts. Guests could ask questions directly, receive practical recommendations, and discuss topics that are often avoided in public conversations.

Особенную силу форуму придал его формат. Вместо отстранённых лекций и формальных докладов участники получили живое общение с онкологами, гинекологами, психологами, нутрициологами, косметологами и юридическими экспертами. Гости могли напрямую задавать вопросы, получать практические рекомендации и обсуждать темы, о которых обычно избегают говорить публично.

Doctors and specialists from Kazakhstan, Georgia, and Spain shared their expertise, helping patients better understand treatment, recovery, nutrition, physical activity, and emotional wellbeing. Participants especially noted how clearly and professionally experts debunked myths surrounding oncology, rehabilitation, and lifestyle during treatment.

Врачи и специалисты из Казахстана, Грузии и Испании делились опытом, помогая пациентам лучше понять лечение, восстановление, питание, физическую активность и эмоциональное состояние. Участники особенно отмечали, насколько ясно и профессионально эксперты развенчивали мифы, связанные с онкологией, реабилитацией и образом жизни во время лечения.

One of the most emotional parts of the forum became the personal stories shared by patients Natalia Fedorova and Dina Rustembayeva, who openly spoke about their journeys through breast cancer treatment. Their honesty, courage, and resilience deeply moved the audience and reminded everyone present that hope is often born through the experiences of those who refuse to give up.

Одной из самых эмоциональных частей форума стали личные истории пациенток Натальи Федоровой и Дины Рустембаевой, которые открыто рассказали о своем пути через лечение рака молочной железы. Их искренность, смелость и стойкость глубоко тронули аудиторию и напомнили всем присутствующим, что надежда часто рождается именно через опыт тех, кто не сдается.

The atmosphere throughout the event remained warm, supportive, and deeply human. Many guests admitted they were surprised that such an open and progressive forum had taken place in Kazakhstan, creating a safe environment where people could speak honestly, feel understood, and realize they were not alone.

Атмосфера форума на протяжении всего дня оставалась тёплой, поддерживающей и по-настоящему человечной. Многие гости признавались, что были приятно удивлены тем, что столь открытый и прогрессивный форум состоялся именно в Казахстане, создав безопасное пространство, где можно говорить честно, чувствовать понимание и осознавать, что ты не один.

A particularly memorable moment was the appearance of stylist Maria Sklyarenko from the Fashion House of Aida Kaumenova. Her presentation became a touching reminder that beauty and self-expression remain important parts of healing. Through styling demonstrations and bright visual images, she showed women how fashion and personal style can help restore confidence even during the most difficult stages of treatment.

Особенно запоминающимся моментом стало выступление стилиста Марии Скляренко из Модного дома Aida Kaumenova. Её презентация стала трогательным напоминанием о том, что красота и самовыражение остаются важной частью восстановления. Через стилизацию платков и яркие визуальные образы она показала женщинам, как мода и личный стиль могут возвращать уверенность даже в самые сложные периоды лечения.

The forum was organized by the Kazakhstan Association of Oncologists together with the media platform prohealth.kz, with the support of partners including Beauty Code Clinic and Champion Tea, who contributed gifts and support for participants.

Организаторами форума выступили Казахстанская ассоциация онкологов совместно с медиа prohealth.kz при поддержке партнеров, среди которых Beauty Code Clinic и компания Champion Tea, подготовившая подарки для участников.

“PRO ЖИЗНЬ” became far more than a medical forum. It became a symbol of a new culture — one where oncology is discussed openly, where patients are seen not through fear but through dignity and strength, and where life continues not only in words, but in real stories, real people, and real hope.

«PRO ЖИЗНЬ» стал гораздо большим, чем медицинский форум. Он стал символом новой культуры — культуры, где об онкологии говорят открыто, где пациентов воспринимают не через страх, а через достоинство и силу, и где жизнь продолжается не только на словах, но и в реальных историях, людях и настоящей надежде.

{gallery}prolife26{/gallery}  

From June 6 to September 6, 2026, La Piscine – Musée d'art et d'industrie André Diligent presented the exhibition “Roubaix Photo”, a large-scale exploration of photographic history through the museum’s rich collections. The exhibition traced more than a century of visual culture, revealing how photography evolved from a documentary tool into a recognized artistic medium.

С 6 июня по 6 сентября 2026 года La Piscine – Musée d'art et d'industrie André Diligent представил выставку “Roubaix Photo” — масштабное исследование истории фотографии через богатые коллекции музея. Экспозиция проследила более века визуальной культуры, показывая, как фотография превратилась из документального инструмента в признанное художественное искусство.

Over the past several decades, photography has gained growing institutional recognition around the world. Once associated primarily with reportage, documentation, or amateur practice, it gradually found its place within museum collections, contemporary art markets, and major cultural exhibitions. “Roubaix Photo” reflected this transformation by presenting photography not only as an artistic discipline, but also as a social and historical witness of its time.

За последние десятилетия фотография получила все большее институциональное признание во всем мире. Когда-то ассоциировавшаяся прежде всего с репортажем, документацией или любительской практикой, она постепенно заняла свое место в музейных коллекциях, на рынке современного искусства и в крупных культурных выставках. “Roubaix Photo” отразила эту трансформацию, представив фотографию не только как художественную дисциплину, но и как социального и исторического свидетеля своего времени.

The exhibition offered visitors a sensitive and multifaceted panorama of the medium — from silver gelatin prints to digital experimentation, from humanist photography to conceptual staging, and from vernacular snapshots to contemporary artistic creation. Through these different approaches, the show explored how photography continues to shape our perception of reality and memory.

Выставка предложила зрителям многогранную и чувственную панораму медиума — от серебряно-желатиновых отпечатков до цифровых экспериментов, от гуманистической фотографии до концептуальной постановки, от бытовых снимков до современного художественного высказывания. Через эти различные подходы экспозиция исследовала, как фотография продолжает формировать наше восприятие реальности и памяти.

Historical and contemporary works, documentary archives, and artist series revealed the richness of the Roubaix photographic collections. Portraits of artists, scenes of working-class life, and images connected to the region’s textile heritage formed a visual narrative deeply rooted in the identity of the city itself.

Исторические и современные работы, документальные архивы и авторские серии раскрыли богатство фотографических коллекций Рубе. Портреты художников, сцены рабочей жизни и изображения, связанные с текстильным наследием региона, создали визуальное повествование, глубоко укорененное в идентичности самого города.

Among the notable works featured in the exhibition was the portrait by Alexandre Mischkind depicting painter Rémy Cogghe in front of his famous painting “Combat de coqs,” captured around 1920. This image became one of the symbolic connections between photography and other artistic disciplines explored throughout the exhibition.

Среди заметных работ выставки был представлен портрет, созданный Alexandre Mischkind, на котором художник Rémy Cogghe запечатлен перед своей знаменитой картиной “Combat de coqs” около 1920 года. Этот снимок стал одним из символических мостов между фотографией и другими художественными дисциплинами, исследуемыми в рамках экспозиции.

Faithful to the interdisciplinary spirit of La Piscine, the exhibition created a dialogue between photography and painting, sculpture, graphic arts, ceramics, and haute couture. By bringing these mediums together, the museum emphasized the interconnected nature of visual culture and invited visitors to reflect on the cultural, social, and aesthetic dimensions of collective memory.

Оставаясь верной междисциплинарному духу La Piscine, выставка выстроила диалог между фотографией, живописью, скульптурой, графическим искусством, керамикой и haute couture. Объединяя эти медиумы, музей подчеркнул взаимосвязанность визуальной культуры и предложил зрителям задуматься о культурных, социальных и эстетических аспектах коллективной памяти.

“Roubaix Photo” also served as a prelude to the bicentennial celebrations of photography organized by the French Ministry of Culture from September 2026 to September 2027, positioning the exhibition as both a retrospective and a forward-looking reflection on the enduring power of the photographic image.

“Roubaix Photo” также стала своеобразным предисловием к празднованию двухсотлетия фотографии, организованному Министерством культуры Франции с сентября 2026 по сентябрь 2027 года, превратив выставку одновременно в ретроспективу и в размышление о неизменной силе фотографического изображения.

From June 13, 2026 to January 3, 2027, the Lace and Fashion Museum together with the Museum of Fine Arts in Calais will present the exhibition Maurizio Galante & Tal Lancman: Haute Couture, Design, Art. Exceptionally staged across two different locations, the project reveals the rich and multidimensional universe created by two visionary designers who continuously explore artistic disciplines with curiosity, sophistication, and playful refinement.
С 13 июня 2026 года по 3 января 2027 года Музей кружева и моды совместно с Музеем изящных искусств Кале представят выставку Maurizio Galante & Tal Lancman: Haute Couture, Design, Art. Экспозиция, расположенная сразу на двух площадках, раскрывает многогранный творческий мир двух выдающихся дизайнеров, которые исследуют художественные дисциплины с любопытством, утонченностью и тонким чувством игры.

The exhibition brings together the Haute Couture creations designed by Maurizio Galante since the 1990s alongside the art and design objects developed together with Tal Lancman since 2003. Their works create a captivating world where textures, forms, and materials awaken the senses and evoke powerful emotions.
Выставка объединяет кутюрные коллекции, созданные Maurizio Galante с 1990-х годов, а также арт- и дизайн-объекты, разработанные вместе с Tal Lancman начиная с 2003 года. Их произведения формируют завораживающий мир, где фактуры, формы и материалы пробуждают чувства и вызывают глубокие эмоции.

Guided by a sense of wonder, Maurizio Galante and Tal Lancman observe the world with fascination, revealing hidden beauty through precision and generosity. Every creation becomes a true “conversation piece” — both as an object born from dialogue between artistic disciplines and as a work inviting reflection, exchange, and human connection.
Следуя чувству восхищения миром, Maurizio Galante и Tal Lancman раскрывают скрытую красоту через точность и щедрость художественного высказывания. Каждое их произведение становится настоящим «conversation piece» — объектом, рожденным из диалога между разными видами искусства и одновременно приглашающим к размышлению, общению и эмоциональной связи.

The spirit of Haute Couture permeates the exhibition through an uncompromising pursuit of excellence and craftsmanship. Sewing, weaving, and embroidery transcend traditional textile practices as feathers, pearls, ceramics, stitched straw, lace, textured silk, metal, glass, and leather are transformed into vibrant sculptural forms full of movement and life.
Дух Haute Couture пронизывает всю экспозицию через безупречное стремление к совершенству и мастерству. Шитье, ткачество и вышивка выходят за рамки традиционного текстиля: перья, жемчуг, керамика, прошитая солома, кружево, фактурный шелк, металл, стекло и кожа превращаются в живые скульптурные формы, наполненные движением и энергией.

Maurizio Galante first studied architecture before turning to fashion at the Academy of Fashion and Costume in Rome. In 1996 he moved to Paris and founded his own fashion house, later becoming an official member of the Chambre Syndicale de la Haute Couture in 2008. His work has long been celebrated for balancing refinement and restraint, poetry and precision, tradition and innovation.
Maurizio Galante сначала изучал архитектуру, а затем моду в Академии моды и костюма в Риме. В 1996 году он переехал в Париж и основал собственный модный дом, а в 2008 году стал официальным членом Chambre Syndicale de la Haute Couture. Его творчество давно ценится за гармоничное сочетание утонченности и сдержанности, поэтичности и точности, традиций и инноваций.

His creations are part of the permanent collections of internationally renowned institutions including the Victoria & Albert Museum in London, the Musée des Arts Décoratifs and Palais Galliera in Paris, the Kyoto Costume Institute, MoMA in New York, the Museum of Art and Industry in Saint-Étienne, and MUDAM in Luxembourg. In 2008, he was named Knight of the Order of Arts and Letters by the French Ministry of Culture.
Его работы входят в постоянные коллекции всемирно известных музеев, среди которых Victoria & Albert Museum в Лондоне, Musée des Arts Décoratifs и Palais Galliera в Париже, Kyoto Costume Institute, MoMA в Нью-Йорке, Museum of Art and Industry в Сент-Этьене и MUDAM в Люксембурге. В 2008 году Министерство культуры Франции удостоило его звания Кавалера Ордена искусств и литературы.

Trend forecaster and designer Tal Lancman spent seventeen years as editor of View Textile, one of the leading international publications dedicated to color, textile, fashion, decoration, and marketing trends. Through projects such as Interware and The Art of Living, he developed a transversal creative philosophy connecting design, fashion, architecture, and visual arts.
Тренд-аналитик и дизайнер Tal Lancman на протяжении семнадцати лет был редактором View Textile — одного из ведущих международных изданий о цвете, текстиле, моде, декоре и маркетинговых тенденциях. Благодаря проектам Interware и The Art of Living он развил философию творчества, объединяющую дизайн, моду, архитектуру и визуальное искусство.

Over the years, Tal Lancman collaborated with globally recognized companies including Hermès, Baccarat, Chopard, L’Oréal Paris, Pantone, Shiseido Japan, Reebok, and American Express. His works have been exhibited at institutions such as the Centre Pompidou, Triennale Milano, MoMA, and the Museum of Decorative Arts in Paris. In 2025, he was also named Knight of the Order of Arts and Letters by the French Ministry of Culture.
На протяжении своей карьеры Tal Lancman сотрудничал с всемирно известными компаниями, среди которых Hermès, Baccarat, Chopard, L’Oréal Paris, Pantone, Shiseido Japan, Reebok и American Express. Его работы экспонировались в Centre Pompidou, Triennale Milano, MoMA и Музее декоративного искусства в Париже. В 2025 году Министерство культуры Франции также присвоило ему звание Кавалера Ордена искусств и литературы.

Since 2003, Maurizio Galante and Tal Lancman have worked in creative partnership, presenting exhibitions and installations in museums across France, Italy, Luxembourg, Israel, and the United States. Their projects are designed to awaken emotion while transforming traditional craftsmanship into elegant, contemporary, and often unexpected forms.
С 2003 года Maurizio Galante и Tal Lancman работают как творческий дуэт, представляя выставки и инсталляции в музеях Франции, Италии, Люксембурга, Израиля и США. Их проекты созданы для того, чтобы вызывать эмоции и превращать традиционные ремесленные техники в элегантные, современные и зачастую неожиданные формы.

The exhibition was curated by fashion historian, writer, and independent curator Lydia Kamitsis, whose distinguished career has shaped contemporary fashion heritage studies and museum practice for decades. Her curatorial approach brings intellectual depth and poetic sensitivity to the presentation.
Куратором выставки выступила историк моды, писатель и независимый куратор Lydia Kamitsis, чья выдающаяся карьера на протяжении десятилетий формировала исследования модного наследия и музейную практику. Ее кураторский подход придает экспозиции интеллектуальную глубину и поэтическую выразительность.

Presented at the Cité de la Dentelle et de la Mode and the Musée des Beaux-Arts de Calais, the exhibition received the prestigious label “Exhibition of National Interest” awarded by the French Ministry of Culture. The distinction recognizes projects of exceptional scientific ambition, innovative museography, and broad cultural impact.
Выставка, представленная в Cité de la Dentelle et de la Mode и Musée des Beaux-Arts de Calais, получила престижный знак «Exhibition of National Interest», присуждаемый Министерством культуры Франции. Эта награда отмечает проекты с выдающейся научной концепцией, инновационной музейной сценографией и широким культурным значением.

{gallery}mauriziotal{/gallery}  

From April 29 to October 11, 2026, the Musée de l’Hospice Comtesse in Lille presents the exhibition Trésors de laine & de soie: The Tapestries of Guillaume Werniers & Catherine Ghuys in 18th-Century Lille, unveiling for the very first time an exceptional collection of tapestries preserved by the Musée de l’Hospice Comtesse and the Palais des Beaux-Arts de Lille.
С 29 апреля по 11 октября 2026 года Musée de l’Hospice Comtesse в Лилле представляет выставку Trésors de laine & de soie: The Tapestries of Guillaume Werniers & Catherine Ghuys in 18th-Century Lille, впервые раскрывая публике исключительную коллекцию шпалер из собраний Musée de l’Hospice Comtesse и Palais des Beaux-Arts de Lille.

The exhibition pays tribute to Lille’s remarkable textile heritage, recalling a period when the city experienced significant economic growth and became one of Europe’s major textile centers. Among the leading workshops of the era was the Werniers Manufacture, considered one of the most important tapestry manufactories in Northern Europe.
Экспозиция отдает дань выдающемуся текстильному наследию Лилля, напоминая о времени, когда город переживал стремительный экономический расцвет и стал одним из крупнейших текстильных центров Европы. Одной из ведущих мануфактур той эпохи была Manufacture Werniers, считавшаяся одной из самых значимых шпалерных мастерских Северной Европы.

These monumental tapestries required months of meticulous craftsmanship. Adorned with pastoral scenes, decorative motifs, and narratives inspired by everyday life, they were treasured luxury objects sought after by aristocrats, wealthy bourgeois families, and religious communities alike. Their presentation promises to immerse visitors in the grandeur and refinement of 18th-century decorative arts.
Создание этих монументальных шпалер требовало месяцев кропотливой работы. Украшенные пасторальными сценами, декоративными орнаментами и сюжетами из повседневной жизни, они считались роскошными предметами искусства, которыми восхищались аристократы, состоятельная буржуазия и религиозные общины. Экспозиция обещает погрузить посетителей в атмосферу величия и утонченности декоративного искусства XVIII века.

Because of their enormous size, fragility, and sensitivity to light, the tapestries underwent an extensive restoration campaign between 2023 and 2026, supported by the DRAC des Hauts-de-France. The exhibition now offers a rare opportunity to admire these masterpieces restored to their original brilliance while also discovering the latest research dedicated to these rare textiles.
Из-за огромных размеров, хрупкости и чувствительности к свету шпалеры прошли масштабную реставрацию в период с 2023 по 2026 год при поддержке DRAC des Hauts-de-France. Сегодня выставка предоставляет редкую возможность увидеть эти произведения искусства во всем их первоначальном великолепии и познакомиться с новейшими исследованиями, посвященными редким текстильным артефактам.

At the center of the exhibition stands the story of Guillaume Werniers and Catherine Ghuys. Originally from Brussels, Guillaume Werniers took over the Lille tapestry manufacture founded by his father-in-law Jean De Melter in 1701. Employing up to fifty textile artisans, the workshop specialized in tapestries inspired by the Flemish painter David Teniers II, depicting lively scenes of everyday rural life known as “Ténières.”
В центре выставки — история Гийома Вернье и Катрин Гюис. Уроженец Брюсселя, Гийом Вернье в 1701 году возглавил лилльскую шпалерную мануфакуру, основанную его тестем Жаном Де Мельтером. В мастерской трудились до пятидесяти ремесленников, а сама мануфактура специализировалась на шпалерах, вдохновленных живописью фламандского художника Давида Тенирса II, изображавших живые сцены сельской повседневности, известные как «Ténières».

Following Werniers’ death in 1738, his widow Catherine Ghuys assumed leadership of the manufacture and successfully directed it for nearly four decades. In the history of tapestry production, she remains one of the rare women to have managed such a prestigious workshop for so long. The exhibition therefore also explores the concept of Lille’s feminine cultural heritage through her remarkable career and legacy.
После смерти Вернье в 1738 году руководство мануфактурой перешло к его вдове Катрин Гюис, которая успешно управляла производством почти сорок лет. В истории шпалерного искусства она остается одной из немногих женщин, столь долго возглавлявших престижную мастерскую. Поэтому выставка также исследует тему женского культурного наследия Лилля через ее выдающуюся карьеру и вклад в искусство.

Designed around six major thematic sections, the exhibition brings together around thirty works alongside contextual objects and archival materials, including account books, looms, paintings, and ceramics. Together, they reveal the creative and technical processes behind tapestry production and recreate the vibrant artistic world of 18th-century Lille.
Построенная вокруг шести тематических разделов, выставка объединяет около тридцати произведений искусства, а также архивные материалы и предметы эпохи — бухгалтерские книги, ткацкие станки, живопись и керамику. Все это раскрывает творческие и технические процессы создания шпалер и воссоздает насыщенную художественную атмосферу Лилля XVIII века.

The exhibition was developed in partnership with the École nationale Supérieure d’Architecture et de Paysage de Lille (ENSAPL). Under the guidance of artist and lecturer Hélène Marcoz, students collaborated closely with the museum teams to design the museographic journey, adding a contemporary perspective to the historical narrative.
Выставка была создана в партнерстве с École nationale Supérieure d’Architecture et de Paysage de Lille (ENSAPL). Под руководством художницы и преподавателя Элен Маркоз студенты совместно с музейными командами разработали музейную сценографию, привнеся современный взгляд в историческое повествование.

Combining history, craftsmanship, restoration, and artistic dialogue, Trésors de laine & de soie offers visitors an immersive journey into the luxurious and intricate world of 18th-century tapestry art — a world woven from wool, silk, memory, and extraordinary savoir-faire.
Объединяя историю, ремесленное мастерство, реставрацию и художественный диалог, Trésors de laine & de soieпредлагает зрителям погружение в роскошный и многослойный мир шпалерного искусства XVIII века — мир, сотканный из шерсти, шелка, памяти и исключительного мастерства.

The exhibition L’Art du motif: Invitation à Minakani, presented from March 7 to September 20, 2026, invites visitors into a poetic universe where fashion, illustration, and textile art become one language. At the heart of the exhibition is the invisible world hidden inside our wardrobes — a world filled with flowers, animals, abstract forms, and delicate characters brought to life by textile designers whose names often remain unknown to the public.

Выставка L’Art du motif: Invitation à Minakani, проходящая с 7 марта по 20 сентября 2026 года, приглашает зрителей в поэтичный мир, где мода, иллюстрация и текстильное искусство становятся единым языком. В центре экспозиции — невидимый мир, скрытый в наших гардеробах: мир цветов, животных, абстрактных форм и утончённых персонажей, созданных художниками по текстилю, чьи имена зачастую остаются неизвестными широкой публике.

One of these artists is Frédéric Bonnin, who since 2005 has been creating vibrant compositions that bloom season after season on fabrics for fashion designers. His studio, Minakani — a Persian word meaning both “woman” and “garden” — has become a true poetic laboratory of images, where drawing transforms into emotion, movement, and color.

Одним из таких художников является Фредерик Боннен, который с 2005 года создаёт яркие композиции, расцветающие сезон за сезоном на тканях модных дизайнеров. Его студия Minakani — слово персидского происхождения, означающее одновременно «женщина» и «сад», — стала настоящей поэтической мастерской образов, где рисунок превращается в эмоцию, движение и цвет.

A master of composition, Bonnin explores the delicate tension between line, color, and space. His artistic universe is joyful, dynamic, and deeply expressive. Through preparatory sketches and textile creations, visitors discover how imagination leaves the paper to inhabit fabrics, garments, and accessories.

Будучи мастером композиции, Боннен исследует тонкое взаимодействие линии, цвета и пространства. Его художественный мир наполнен радостью, динамикой и выразительностью. Через эскизы и текстильные произведения зрители наблюдают, как воображение покидает бумагу и оживает на тканях, одежде и аксессуарах.

The exhibition unfolds within the museum spaces dedicated to textile and fashion collections, where Minakani’s designs interact with the surrounding environment like fragments of a living garden. Every motif becomes a dialogue between craftsmanship and contemporary aesthetics.

Экспозиция разворачивается в пространствах музея, посвящённых текстилю и моде, где работы Minakani взаимодействуют с окружающей средой словно фрагменты живого сада. Каждый мотив превращается в диалог между ремесленным мастерством и современной эстетикой.

The exhibition is curated by Amélie Boron, head of the Fashion Collection, and Norah Mokrani, head of the Textile Library at La Piscine – Musée d’art et d’industrie André Diligent. The scenography was created with the generous support of Tollens paints, enhancing the immersive visual atmosphere of the project.

Кураторами выставки выступили Амели Борон, руководитель коллекции моды, и Нора Мокрани, куратор текстильной библиотеки музея La Piscine – Musée d’art et d’industrie André Diligent. Сценография была реализована при поддержке бренда красок Tollens, что позволило создать особенно выразительную визуальную атмосферу проекта.

Presented within the permanent collection spaces, the exhibition is accessible free of charge on the first Sunday of every month, offering visitors the opportunity to experience the refined artistry of textile motifs through the poetic lens of Minakani.

Поскольку выставка представлена в пространствах постоянной коллекции музея, посетить её можно бесплатно в первое воскресенье каждого месяца, открывая для себя утончённое искусство текстильного орнамента через поэтичный взгляд Minakani.

Le Musée des Enfants 1: Grandeur Nature — новое художественное пространство для юных посетителей Palais des Beaux-Arts de Lille

Le Musée des Enfants is a unique new project and the first stage of Phase 4 of the Scientific and Cultural Project launched by the Palais des Beaux-Arts de Lille in 2017. Designed especially for children, this new exhibition space invites young visitors to discover art through an immersive and engaging experience.
Le Musée des Enfants — уникальный новый проект и первый этап четвертой фазы Научно-культурного проекта Palais des Beaux-Arts de Lille, инициированного в 2017 году. Пространство было создано специально для детей и приглашает юных посетителей открывать искусство через увлекательный и интерактивный опыт.

Located on the ground floor of the museum, the permanent 150-square-meter space is accessible free of charge and features a flexible scenography designed by the agency Scénografiá. The exhibition was carefully conceived for younger audiences, with artworks displayed at children’s eye level and accompanied by thoughtful mediation tools encouraging curiosity and participation.
Расположенное на первом этаже музея, постоянное пространство площадью более 150 квадратных метров доступно бесплатно и отличается модульной сценографией, разработанной агентством Scénografiá. Экспозиция была специально продумана для детской аудитории: произведения искусства размещены на уровне глаз ребенка и дополнены интерактивными элементами, стимулирующими интерес и вовлеченность.

Olfactory, sound, and tactile devices enrich the visit, creating a multisensory approach to art discovery. An acoustic ceiling system also ensures a calm and comfortable atmosphere throughout the exhibition space.
Обонятельные, звуковые и тактильные элементы делают посещение по-настоящему мультисенсорным опытом. Специальный акустический потолок обеспечивает тишину и комфорт, создавая приятную атмосферу для знакомства с искусством.

The museum’s theme will change periodically. Titled Grandeur Nature, the inaugural edition explores humanity’s relationship with nature and invites visitors to reflect on the living world around them. Around forty works from the museum’s reserves and permanent collections have been brought together for the exhibition.
Тематика музея будет регулярно обновляться. Первая выставка под названием Grandeur Nature исследует взаимоотношения человека и природы, предлагая зрителям задуматься о мире живого. В экспозицию вошло около сорока произведений из запасников музея и постоянной коллекции.

Among the highlights are sculptures such as Forêt humaine by Ossip Zadkine (1948), ceramic trompe-l'œil works shaped like cabbage or asparagus bundles from the 18th century, and remarkable paintings including Bouquet de fleurs by Roelandt Savery, Étude de lions by Pieter Boel, Hêtraie en forêt de Fontainebleau by Constant Dutilleux, and Nature morte aux champignons by Louise De Hem. The exhibition also includes historical objects from different eras, including medals and Egyptian amulets.
Среди ключевых экспонатов — скульптура Forêt humaine Осипа Цадкина (1948), керамические trompe-l'œil XVIII века в форме капусты и связок спаржи, а также живописные работы Bouquet de fleurs Руланта Савери, Étude de lions Питера Буля, Hêtraie en forêt de Fontainebleau Констана Дютильё и Nature morte aux champignons Луизы Де Хем. В экспозицию также вошли исторические артефакты разных эпох, включая медали и египетские амулеты.

Le Musée des Enfants 1: Grandeur Nature officially opens to the public on May 7, 2026. The project was designed primarily for children aged 6 to 10 accompanied by adults, while remaining open and accessible to all museum visitors free of charge and without reservation.
Le Musée des Enfants 1: Grandeur Nature официально откроется для публики 7 мая 2026 года. Проект был создан прежде всего для детей от 6 до 10 лет в сопровождении взрослых, оставаясь при этом открытым и доступным для всех посетителей музея бесплатно и без предварительной регистрации.