By Claude Lisbona

At the Grand Palais, the Paris cultural landmark unveils an impressive pairing: two prominent French artists of the same generation, Eva Jospin and Claire Tabouret, whose creative journeys have long reached far beyond France. Instead of constructing a direct conversation between their works, the institution offers two parallel perspectives on their artistic universes, arranged as facing exhibitions.

В парижском Гран-Пале представлена выразительная дуэтная экспозиция двух значимых французских художниц одного поколения — Евы Жоспен и Клер Табуре, чьи карьеры давно вышли на международный уровень. Здесь не стремятся создать открытый диалог между ними, но предлагают два самостоятельных взгляда на их художественные миры, оформленные как выставки, расположенные друг напротив друга.

A subtle but intriguing link unites the sculptor Jospin (born 1975) and the painter Tabouret (born 1981): cardboard. For Jospin, it is the signature material that defines her meticulously constructed forest installations. For Tabouret, it becomes the base for her life-size preparatory drafts—known as “cartons”—created for her proposed stained-glass cycle for Notre-Dame Cathedral, from which master glaziers craft the finished panels.
Неожиданная, но выразительная нить связывает скульптора Жоспен (род. 1975) и художницу Табуре (род. 1981): картон. Для Жоспен это ключевой материал, определяющий её тщательно созданные лесные инсталляции. Для Табуре он служит основой полноразмерных подготовительных эскизов — тех самых «картонов» для проекта витражей Нотр-Дама, по которым мастера-стекольщики впоследствии изготавливают готовые свинцово-стеклянные панели.

Both artists also find themselves in a period of waiting — though for entirely different reasons. Eva Jospin, who was elected to the Académie des Beaux-Arts in December 2024, will formally assume her role in 2026, complete with the traditional academician’s attire and ceremonial sword. Claire Tabouret, meanwhile, is confronted with a wave of petitions and legal challenges targeting her stained-glass concept, which won the presidentially initiated competition in December 2024 over renowned contenders such as Daniel Buren, Philippe Parreno, Jean-Michel Alberola, and Yan Pei-Ming.
Объединяет художниц и состояние ожидания — но по совершенно разным поводам. Ева Жоспен, избранная в Академию изящных искусств в декабре 2024 года, официально вступит в свою роль в 2026-м, получив традиционный костюм и церемониальную шпагу. Клер Табуре, напротив, столкнулась с серией петиций и судебных разбирательств, направленных против её проекта витражей, который победил в конкурсе по инициативе президента Франции в декабре 2024 года, опередив известных художников, включая Даниэля Бюрена, Филиппа Паррено, Жана-Мишеля Альберолу и Яна Пэй-Мина.

The most recent turn came on November 28, when the Paris administrative court dismissed the complaint filed by the Sites & Monuments association, which opposed replacing a suite of clear, purely decorative 19th-century windows designed by Viollet-le-Duc with Tabouret’s figurative creations.
Последнее развитие дела произошло 28 ноября, когда административный суд Парижа отклонил иск ассоциации Sites & Monuments, возражавшей против замены набора прозрачных декоративных витражей XIX века, созданных архитектором Виолле-ле-Дюком, на фигуративный проект Табуре.

{gallery}evajospinclairetaburet{/gallery}  

 

By Claude Lisbona

The Grand Palais in Paris opens its doors to an exhibition that celebrates one of the most electrifying artistic collaborations of the 20th century. From June 26, 2025, to January 10, 2026, visitors are invited to step into the vibrant, radical world of Niki de Saint Phalle and Jean Tinguely, illuminated through the visionary perspective of Pontus Hulten.

Парижский Гран-Пале открывает двери выставки, посвящённой одному из самых ярких творческих союзов XX века. С 26 июня 2025 года по 10 января 2026 года гости смогут окунуться в энергичный и дерзкий мир Ники де Сан Фаль и Жана Тэнгли, представленный через призму видения Понтуса Хультена.

This immersive exhibition unveils the fierce passion and boundless creativity that united these groundbreaking artists and the curator who championed their vision. Known for their rebellious spirit, Saint Phalle (1930–2002) and Tinguely (1925–1991) forged an artistic partnership rooted in freedom, experimentation, and a refusal to conform.

Эта захватывающая экспозиция раскрывает мощную энергию и безграничное творческое горение, соединявшие этих новаторов и куратора, который стоял за их успехом. Известные своим духом бунтарства, Сан Фаль (1930–2002) и Тэнгли (1925–1991) создали дуэт, основанный на свободе, эксперименте и полном отказе от художественных правил.

The exhibition traces their prolific journeys through the influential figure of Pontus Hulten (1924–2006), the first director of the Musée national d’Art moderne at the Centre Pompidou. A firm believer in disruptive, multidisciplinary, and participatory art, Hulten became a lifelong supporter of both artists. His commitment manifested in acquisitions, retrospectives, creative carte blanche invitations, and his role in ambitious, rule-breaking projects—including the monumental Hon – en Katedral (1966) at Stockholm's Moderna Museet and Le Crocrodrome de Zig & Puce (1977) at the Centre Pompidou.

Экспозиция прослеживает их насыщенные творческие пути через фигуру Понтуса Хультена (1924–2006), первого директора Национального музея современного искусства при Центре Помпиду. Будучи приверженцем дерзкого, междисциплинарного и вовлекающего творчества, Хультен стал для художников постоянным союзником. Его поддержка выражалась в покупках работ, посвящённых ретроспективах, творческих полномочиях и участии в масштабных проектах — включая гигантскую Hon – en Katedral (1966) в Модерна Музеет и выставку Le Crocrodrome de Zig & Puce (1977) в Центре Помпиду.

Drawing from the rich collections of the Centre Pompidou and exceptional loans from major French and international institutions, the exhibition offers a fresh encounter with the iconic works of Saint Phalle and Tinguely. Through a dynamic, interactive narrative, visitors explore a universe where art intertwines with love, friendship, and artistic boldness—brought to life by a curator whose devotion transformed both their careers and the trajectory of contemporary art.

Опираясь на богатые собрания Центра Помпиду и значимые произведения, предоставленные ведущими музеями Франции и мира, выставка предлагает по-новому взглянуть на знаковые работы Сан Фаль и Тэнгли. Через яркий, интерактивный маршрут зрители открывают вселенную, где искусство переплетается с любовью, дружбой и смелостью — мир, который был создан благодаря куратору, чья преданность изменила их судьбы и течение современного искусства.

{gallery}nikidesaintphale{/gallery}  

 

By Claude Lisbona

Paris’s Palais Galliera unveils its first-ever exhibition dedicated to Rick Owens, inviting visitors on a journey through the avant-garde designer’s universe—from his early Los Angeles beginnings to his most recent, striking collections. Fascinated by the sacred, Owens reveals the layered references behind his work, drawing inspiration from Joris-Karl Huysmans, modern and contemporary art, and early 20th-century Hollywood cinema. As artistic director of the exhibition, he envisioned a narrative that extends beyond the museum’s walls to its façade and garden.

Парижский музей Palais Galliera представляет первую в истории выставку, посвящённую Рику Оуэнсу, приглашая зрителей пройти через вселенную авангардного дизайнера — от его ранних шагов в Лос-Анджелесе до последних, наиболее смелых коллекций. Очарованный идеей сакрального, Оуэнс раскрывает множественные культурные отсылки своих работ, вдохновляясь Жорисом-Карлом Гюисмансом, современным искусством и голливудским кинематографом начала XX века. В качестве арт-директора проекта он создал маршрут, который выходит за пределы залов, охватывая фасад и сад музея.

Born in California in 1961, Rick Owens began his career in Los Angeles as a pattern maker before launching his own label in 1992. Drawing from underground subcultures and the glamorous aesthetic of the 1930s, his designs stand out for their architectural sophistication. Limited resources initially led him to repurpose everyday materials—T-shirt jerseys, military bags, army blankets, washed leather—transforming them into dresses and jackets. Among his signature tones, black and muted shades dominate, including his iconic custom gray known as “dust.”

Родившийся в Калифорнии в 1961 году, Рик Оуэнс начал карьеру в Лос-Анджелесе как конструктор одежды, прежде чем в 1992 году запустить собственный бренд. Опираясь на субкультуры андерграунда и гламур моды 1930-х, он создаёт вещи, выделяющиеся сложными, почти архитектурными конструкциями. Ограниченные ресурсы на старте подтолкнули его к переосмыслению обычных материалов — футболочных полотен, армейских сумок, одеял и вымытой кожи, превращённых в платья и куртки. Среди его ключевых оттенков доминируют чёрный и приглушённые тона, включая фирменный серый «dust».

In 2003, Owens moved from Los Angeles to Paris. Independent and provocative, his runway shows often incorporate political commentary, challenging intolerance and patriarchy. He has replaced traditional models with stepping performers—African American dancers who use the body as percussion—exposed male sexuality on the runway, and celebrated the strength of women. In response to a turbulent world, his work has embraced more sculptural silhouettes and bursts of vivid color.

В 2003 году Оуэнс переехал из Лос-Анджелеса в Париж. Оставаясь независимым и дерзким, он регулярно насыщает свои показы политическими размышлениями, выступая против нетерпимости и патриархата. Он заменял традиционных моделей степпинг-перформерками — танцовщицами афроамериканской культуры, использующими тело как инструмент, — обнажал сексуальность мужчин и возвышал силу женщин. В ответ на кризисный мировой контекст его работы стали ещё более скульптурными и насыщенными яркими оттенками.

With over 100 silhouettes, the retrospective is enriched by Owens’s personal archives, rare videos, and newly unveiled installations. Works by Gustave Moreau, Joseph Beuys, and Steven Parrino further illuminate the designer’s inspirations, offering a fresh perspective on his creative language. The exhibition also highlights the crucial influence of his wife, Michèle Lamy, whose presence threads through the entire narrative—including a recreation of their California bedroom.

На ретроспективе представлено более 100 силуэтов, дополненных личными архивами Оуэнса, редкими видеоматериалами и новыми инсталляциями. Работы Гюстава Моро, Йозефа Бойса и Стивена Паррино позволяют глубже понять источники его вдохновения, открывая новые грани восприятия дизайнера. Отдельное внимание уделено его супруге, Мишель Лами, чьё влияние пронизывает весь проект — вплоть до реконструкции их калифорнийской спальни.

Rick Owens’s vision extends outdoors as well: the museum’s façade is draped with sequined fabrics enveloping its statues, while thirty brutalist cement sculptures installed in the garden echo his furniture creations. The flowerbeds have been replanted with botanical varieties reminiscent of Los Angeles, adding another layer of personal narrative.

Творческое видение Оуэнса выходит и за пределы музея: фасад украшен тканями, расшитыми пайетками, окутывающими статуи, а в саду установлены тридцать брутальных цементных скульптур, напоминающих его коллекции мебели. Клумбы засажены растениями, которые он особенно любил в Лос-Анджелесе, добавляя ещё один личный штрих.

Monumental in scale and unlike anything previously mounted at Palais Galliera, Rick Owens: Temple of Love meditates on love, beauty, and difference through a bold, immersive scenography. The silhouettes—primarily drawn from the archives of one of contemporary fashion’s most influential creators—transform the museum into a true temple of artistic devotion.

Монументальная по масштабу и уникальная для Palais Galliera выставка Rick Owens: Temple of Love размышляет о любви, красоте и инаковости через смелую, погружающую сценографию. Силуэты, взятые в основном из архивов одного из ключевых дизайнеров современной моды, превращают музей в настоящий храм творчества.

{gallery}rickowensexh{/gallery}  

 

Как качество воздуха и освещения в офисах влияет на продуктивность сотрудников: цифры и реальные кейсы

Most residents of Almaty encounter polluted air every day. Yet few realize that indoor office air is often two to five times worse than the air outside. This has a direct impact on employee health, productivity, and ultimately on a company’s economic performance.
Большинство жителей Алматы ежедневно сталкиваются с проблемой загрязнённого воздуха. Однако мало кто знает, что воздух внутри офисов зачастую в 2–5 раз хуже наружного. Это напрямую отражается на здоровье сотрудников, их продуктивности и экономическом результате компаний.

On December 4, O2-architects — a company specializing in the design and optimization of workspaces — together with environmental and health experts, hosted a business breakfast dedicated to how improving microclimate and lighting can elevate productivity and reduce stress levels among employees.
Компания O2-architects, специализирующаяся на проектировании и оптимизации рабочих пространств, совместно с экспертами в области экологии и здоровья, 4 декабря провела бизнес-завтрак, посвящённый тому, как улучшение микроклимата и освещения в офисах может повысить продуктивность и снизить уровень стресса сотрудников.

Few would imagine that fatigue, brain fog, irritability, and frequent colds among employees might stem from poor air quality, improper lighting, and inadequate ergonomics. Harvard Medical School reports that poor air quality reduces cognitive function by 15% at CO₂ levels above 950 ppm and by 50% when CO₂ exceeds 1400 ppm. Improper lighting reduces concentration by 22–28%, while poor ergonomics cause pain in 60% of employees and increase sick leave rates.
Кто бы мог подумать, что усталость, «туман в голове», раздражительность и частые простуды сотрудников — это следствие плохого воздуха, неправильного света и эргономики. По данным исследования Harvard Medical School плохое качество воздуха снижает когнитивные функции человека на 15% при CO₂>950 ppm и на 50% при CO₂>1400 ppm, неправильный свет ухудшает концентрацию на 22–28%, а плохая эргономика вызывает боли у 60% сотрудников и увеличивает число больничных.

According to Gallup (State of the Global Workplace), the global economy loses around $9.6 trillion annually due to workplace stress. In 2024, Bloomberg reported that burnout levels among office workers reached an all-time high. Research by the UK’s HSE further revealed that in 2023–2024, 16.4 million working days were lost due to stress, depression, and anxiety.
Согласно исследованиям Gallup (State of the Global Workplace) мировая экономика ежегодно теряет около 9,6 трлн долларов из-за стресса работников. Bloomberg в 2024 году объявили, что уровень выгорания офисных работников в мире достиг исторического рекорда. А исследования HSE (Великобритания) показали, что в 2023-2024 гг. 16,4 млн рабочих дней потеряно из-за стресса, депрессии и тревоги.

Environmental scientists, architects, and medical professionals have already calculated that improving microclimate and lighting can increase productivity by 10–20%, reduce sick leave, and boost employee engagement.
Специалисты экологи, архитекторы и врачи уже подсчитали, что улучшение микроклимата и освещения позволяет повысить продуктивность на 10–20%, снизить количество больничных и увеличить вовлечённость персонала.

For Almaty residents, the topic of a “healthy” office is especially relevant. The city faces a challenging ecological situation due to its geographical location, heavy traffic, and industrial emissions.
Для алматинцев тема «здорового» офиса особенно актуальна. Принято считать, что в Алматы очень плохая экологическая ситуация из-за нахождения “в яме”, чрезмерного количества автомобилей и работы ТЭЦ.

Environmental expert Aizhan Skakova from the Public Chamber of the Mazhilis of Kazakhstan notes: “Almaty regularly ranks among the world’s top 10 most polluted cities. And the issue extends beyond Almaty — it affects Astana, Aktobe, and other cities in Kazakhstan. Over the past three years, more than 1.8 million cases of respiratory diseases have been recorded. Lung cancer remains the leading oncological diagnosis.”
Эколог-эксперт Общественной палаты при Мажилисе Парламента РК Айжан Скакова: «Алматы регулярно входит в ТОП-10 загрязненных городов мира. И проблема касается не только Алматы, но и Астаны, Актобе и других городов Казахстана. За 3 года зафиксировано более 1,8 млн случаев заболеваний органов дыхательной системы. А среди онкологических заболеваний рак легких на 1 месте».

Aizhan adds that Kazakhstan has built a strong foundation: the Environmental Code has been updated, and ecological priorities have been integrated into strategic planning. Almaty could become the first city in Kazakhstan and Central Asia to introduce its own atmospheric air protection regulations. Currently, however, no public research directly measures indoor air quality in Kazakhstan; most statistics relate only to outdoor air.
Айжан также отметила, что в Казахстане хороший фундамент – обновлен Экологический кодекс, страна внедрила вопросы экологии на уровне стратегического планирования. И Алматы может стать первым городом Казахстана и Центральной Азии, который создаст собственные правила охраны атмосферного воздуха. В настоящее время нет публичных исследований, которые прямо измеряли бы качество воздуха в помещениях в Казахстане. Большая часть статистики касается воздуха открытых пространств городов.

Environmental activist and founder of ECO Network Evgeniy Mukhamedzhanov notes: “Kazakhstan is one of the most progressive post-Soviet countries in eco-consciousness. Thanks to travel and global education, people have become more informed. Businesses, too, are showing greater interest. Today we discussed how an office can become a comfortable environment that communicates ecological values—so that employees not only work there, but carry these values with them.”
Экологист, общественный деятель и основатель ECO Network Евгений Мухамеджанов: «Казахстан – одна из самых продвинутых стран постсоветского пространства по эко культуре. Люди более подготовлены и осознаны благодаря путешествиям и образованию за рубежом. Бизнес стал проявлять интерес. И сегодня мы обсудили, как офис может стать комфортной средой для людей и каким образом он может передавать экологические ценности, чтобы сотрудники не просто приходили на работу, а чтобы уносили их с собой».

However, in most cases, the ecological situation inside office buildings remains a major problem. In Almaty, almost no indoor environments meet basic standards. Most business centers do not clean or filter the air properly, and rely only on opening windows — which does not help.
Однако, в большинстве случаев сегодня экологическая ситуация в офисных помещениях – огромная проблема. Внутренние помещения в Алматы почти нигде не соответствуют стандартам. Большинство бизнес-центров не очищают воздух, не фильтруют должным образом, проветривают только открыванием окон, что не помогает.

Integrative nutritionist Lyazzat Tungatarova explains: “An employee cannot remain productive or handle workload effectively if they constantly feel fatigued or if the working environment fails to meet basic ergonomic and air-quality standards. Moreover, polluted air is a major cause of allergies.”
Интегративный нутрициолог Ляззат Тунгатарова рассказывает: «Сотрудник не может быть производительным или эффективным, выдерживать большую нагрузку, если он чувствует постоянную усталость, если условия работы в офисе не выдерживают базовых норм организации труда, таких, как качество воздуха. К тому же грязный воздух является одним из факторов возникновения аллергии».

Roman Kravchenko, founder and head of O2-Architects, explains how the situation can be improved even in today’s ecological conditions: “In Almaty’s environment, the office should become a space for recovery, energy, and creativity — not an additional burden. Imagine a typical 100 m² open space with 10 employees and no ventilation. Within 1–1.5 hours, CO₂ levels rise sharply. At 700–900 ppm, we feel stuffy and our attention drops by 5%. At 1000 ppm, we feel sleepy and cognitive abilities fall by 15%. And at 1400 ppm, employees begin to make mistakes and productivity drops by 40–50%.”
Основатель и руководитель архитектурно-строительной компании O2-Architects Роман Кравченко рассказывает, как в нынешних эко-условиях можно исправить ситуацию: «Я считаю, что в условиях экологии Алматы офис должен стать местом восстановления, повышения энергии и креативности, а не дополнительной нагрузки. Можно провести эксперимент в стандартном open space 100 кв метров, в котором работают 10 сотрудников. Представим, что в офисе нет вентиляции или она недостаточная для помещения, окна закрыты. Уровень CO₂ повышается и уже через 1-1,5 часа мы начинаем дышать углекислым газом. При повышении CO₂ до 700-900 ppm мы начинаем чувствовать духоту и наше внимание снижается на 5%. При CO₂ 1000 ppm – чувствуем сонливость и умственные функции у нас снижаются на 15%. А при CO₂ 1400 ppm сотрудники начинают совершать ошибки и их производительность падает на 40-50%».

Alongside air quality, lighting and ergonomics greatly influence employee performance.
Наряду с качеством воздуха на эффективность сотрудников влияет свет и эргономика.

CBRE’s “Healthy Offices” study (2016) revealed that implementing dynamic lighting aligned with human circadian rhythms increased productivity by 18%. Accuracy improved by 12%, and 76% of employees reported feeling happier. Notably, sick leave rates were nearly cut in half. This experiment became one of the earliest practical demonstrations of how lighting affects physical well-being and workplace performance.
Исследования CBRE “Healthy Offices” в 2016 году показали, что внедрение системы динамического освещения, настроенной в соответствии с циркадными ритмами человека, позволило повысить производительность труда на 18%. Кроме того, на 12% улучшилась точность работы, а 76% сотрудников сообщили исследователям, что чувствуются себя счастливее. И, немаловажный факт: за время наблюдений почти вполовину уменьшилось число случаев заболеваний сотрудников. Этот эксперимент, проведенный еще в 2016 году, стал одним из первых практических доказательств влияния света на физическое состояние и производительность сотрудников.

Kravchenko also notes: with proper ventilation and CO₂ levels below 700 ppm, productivity increases by 40–50%; with dynamic lighting, efficiency rises by 20–25%; and reduced noise boosts concentration by 40%.
Роман Кравченко отмечает также следующее: при хорошей вентиляции и понижении CO₂<700 ppm увеличивается производительность +40-50%, при правильном динамичном освещении на 20-25% повышается эффективность, при снижении шума увеличивается концентрация на 40%.

Creating “healthy offices” is not a trend—it is a necessity, especially for Almaty. Companies that have already implemented improvements in ventilation, lighting, and ergonomics report higher productivity, reduced burnout, and fewer sick days. In a city challenged by heavy workloads, tight schedules, and environmental issues, maintaining a healthy indoor microclimate becomes an essential part of strategic HR management. Investments in clean air, proper lighting, and efficient workspace organization pay off quickly, both through improved employee performance and the development of a healthier, more resilient corporate culture.
Создание «здоровых» офисов — это не тренд, а необходимость, особенно для Алматы. Компании, которые уже внедрили решения по улучшению вентиляции, освещения и эргономики, отмечают рост продуктивности, снижение выгорания и уменьшение числа больничных дней. В условиях высокой загруженности, плотного графика и экологических вызовов города забота о микроклимате рабочего пространства становится частью стратегического управления персоналом. Инвестиции в качественный воздух, свет и грамотную организацию рабочих мест быстро окупаются — как за счет повышения эффективности сотрудников, так и благодаря формированию более здоровой и устойчивой корпоративной культуры.

By Claude Lisbona

The Gallery of Five Continents at the Louvre offers a profound dialogue between world cultures, transcending borders and eras. From Africa, the Americas, Asia, Europe, and Oceania, it brings together several millennia of human creativity, placing every culture on an equal footing.

Галерея Пяти Континентов в Лувре предлагает глубокий диалог между культурами мира, выходящий за рамки границ и эпох. Африка, Америка, Азия, Европа и Океания представлены здесь в равном и уважительном взаимодействии, объединяя несколько тысячелетий человеческого творчества.

Alongside a curated selection of works from the musée du quai Branly–Jacques Chirac, the exhibition brings together objects from the Louvre Museum, the National Museum of Asian Arts – Guimet, as well as the National Maritime Museum, the National Library of France, the Museum of Aquitaine, and the Museum of Boulogne-sur-Mer. An exceptional loan from the Federal Republic of Nigeria completes this unique presentation.
Наряду с тщательно выбранными произведениями из музея Кэ Бранли–Жак Ширак, выставка объединяет объекты из Лувра, Национального музея азиатского искусства Гиме, а также Национального морского музея, Национальной библиотеки Франции, Музея Аквитании и Музея Булони-сюр-Мер. Уникальный вклад от Федеративной Республики Нигерия завершает эту исключительную экспозицию.

The resonances created between works, cultures, and continents illuminate universal themes of human existence: birth, death, faith, authority, prestige, chance, the interpretation of the world, the harmony with natural elements, and the passage between realms. Through these connections, a multiplicity of worldviews emerges, revealing the richness and diversity of human experience.
Эти художественные переклички между культурами и континентами раскрывают фундаментальные темы человеческого существования: рождение, смерть, веру, власть, престиж, судьбу, понимание мира, гармонию со стихиями и переходы между мирами. В этих смысловых соединениях проявляется множество мировоззрений, отражающих богатство и разнообразие человеческого опыта.

Through intertwined perspectives and shared artistic threads, the Gallery of Five Continents draws a living map of humanity—one that celebrates both our differences and the universal questions that bind us across time.
Через переплетённые перспективы и общие художественные мотивы Галерея Пяти Континентов создаёт живую карту человечества, прославляя как наше разнообразие, так и универсальные вопросы, которые объединяют нас сквозь века.

The Louvre Museum extends its gratitude to the Marc Ladreit de Lacharrière Foundation for funding the welcome spaces and the exterior arrangements of the Gallery of Five Continents.
Музей Лувра выражает благодарность Фонду Марка Ладре де Лашаррьера за финансирование пространства приёма гостей и внешнего оформления Галереи Пяти Континентов.

{gallery}5continentsexp{/gallery}  

 

Выставка памяти Оскара Рабина в Century Art Gallery

By Maya Baghirova

The Century Art Gallery, represented by Marina Kronik and Mark Ivasilevich, is pleased to announce that a special non-commercial exhibition dedicated to Oskar Rabin — the leading figure and true classic of Soviet nonconformism — has taken place in Paris. The event honored an artist who holds a unique and significant place in the history of contemporary art.
Century Art Gallery, в лице Марины Кроник и Марка Ивасилевича, рада сообщить, что в Париже прошла специальная некоммерческая выставка, посвящённая Оскару Рабину — ключевой фигуре и подлинному классику советского нонконформизма, занявшему своё особое место в истории современного искусства.

The exhibition featured works from the private collection of Mark Ivasilevich, who has dedicated his life to preserving, promoting, and meticulously archiving the artistic legacy of Oskar Rabin. His long-term commitment includes publishing catalogs, scholarly editions, and rare materials that shed light on Rabin’s life and creative journey.
На выставке были представлены картины из личной коллекции Марка Ивасилевича, который на протяжении всей жизни кропотливо и преданно занимается сохранением, продвижением и архивированием наследия Оскара Рабина. Его многолетняя работа включает издание каталогов, исследовательских материалов и уникальной литературы, рассказывающей о жизни и творчестве художника.

Visitors also had the chance to explore the works of the legendary photographer Vladimir Sychev — an iconic figure closely associated with the artists of the 1960s and 1970s. His photographs have become historical testimony to an entire artistic generation.
Гости выставки также смогли познакомиться с работами легендарного фотографа Владимира Сычёва — знаковой личности, чьё имя неразрывно связано с художниками 60–70-х годов. Его фотоработы стали историческим свидетельством целой творческой эпохи.

The gallery presented rare archival photographs dedicated to Oskar Rabin and Valentina Kropivnitskaya, offering an intimate look at the artist’s personal world and the artistic circle surrounding him.
Галерея предоставила редкие архивные снимки, посвящённые Оскару Рабину и Валентине Кропивницкой, открывая зрителям личный мир художника и его творческое окружение.

Equally valuable was the opportunity for direct conversations with witnesses of that era — friends, admirers, collectors, and art historians — whose memories and insights added emotional depth and authenticity to the evening.
Не менее ценной частью события стало живое общение с очевидцами той эпохи — друзьями, поклонниками, коллекционерами и искусствоведами, чьи воспоминания и впечатления придали вечеру особую эмоциональность и подлинность.

This evening of remembrance celebrated not only the life and legacy of Oskar Rabin but also the profound gratitude we share for the ability to continue reflecting on, reinterpreting, and cherishing the deeply intellectual and piercing art he gifted to the world — the art of a true Master.
Этот вечер памяти стал выражением не только уважения к творческому пути Оскара Рабина, но и глубокой благодарности за возможность вновь и вновь осмысливать, переосмысливать и наслаждаться тем пронзительным и интеллектуальным искусством, которое он подарил миру — искусством Художника с большой буквы.

{gallery}oskarrabin{/gallery}  

The commemorative evening took place on

25.11.2025
at Century Art Gallery,
21 rue de Miromesnil, Paris.
Вечер памяти состоялся
25.11.2025
в Century Art Gallery,
21 rue de Miromesnil, Париж.

 

By Maya Baghirova

Co-curated by Lexïng Zhang and Amber Terranova

10 November 2025 – 6 December 2025
GESTE Paris, 10 rue Croix des Petits Champs, Paris 75001

Nomad’s Breath: A Journey Through Ritual, Reciprocity and Sacred Movement

Nomad’s Breath: Путешествие через ритуалы, взаимность и священное движение

In an era shaped as profoundly by excess as by absence, Nomad’s Breath gathers twelve artists whose works travel lightly—like the exhale of a wanderer crossing open land. The exhibition reframes nomadism not as displacement, but as a way of breathing with the world: exchanging presence, story and shelter rather than possessions.
В эпоху, сформированную не только избытком, но и отсутствием, Nomad’s Breath объединяет двенадцать художников, чьи работы движутся легко — словно выдох странника, пересекающего открытые просторы. Выставка переосмысливает кочевничество не как отсутствие корней, а как способ дышать вместе с миром: обмениваться присутствием, историями и убежищем, а не вещами.

Generosity here has no measure; it resides in the smallest human gestures — a distant glance, a sliver of song, the hush of shared silence. The nomad breathes in rhythm with the landscapes they traverse, offering whatever they carry — salt, song, solace — to those they encounter.
Щедрость здесь не поддаётся измерению; она живёт в мельчайших человеческих жестах — взгляде через расстояние, обрывке песни, тишине, которую разделяют двое. Кочевник дышит в ритме ландшафтов, по которым проходит, предлагая всё, что имеет — соль, песню, утешение — тем, кого встречает.

Nomadism as Living Knowledge

Кочевничество как живая система знаний

Nomad’s Breath positions nomadism as lived knowledge rather than metaphor. For centuries, nomadic peoples have cultivated ecological intuition, reciprocity and adaptive lifeways that ensure survival across shifting terrains. Their practices remind us that to travel lightly is not to live with less, but to live with more intention — where acts of giving and receiving weave the bonds of community.
Nomad’s Breath показывает кочевничество как живую систему знаний, а не метафору. На протяжении веков кочевые народы развивали экологическую интуицию, взаимность и адаптивные модели жизни, позволяющие выживать на меняющихся землях. Их уклад напоминает, что путешествовать налегке — значит жить более осознанно, где дарение и принятие укрепляют связи сообщества.

Rituals pulse throughout the exhibition as anchors in a fragmented world. The works span from the raw immediacy of photojournalism to the meditative depth of conceptual art, revealing traces of resilience and the ceremonies that sustain life on the move.
Ритуалы пронизывают всю экспозицию, выступая якорями в разрозненном мире. Работы варьируются от непосредственности фотожурналистики до медитативной глубины концептуального искусства, раскрывая следы стойкости и обряды, поддерживающие жизнь в пути.

Chapter I: Dematerialization

Глава I: Дематериализация

Nomadic material culture is defined by lightness — objects are portable, shared, repaired, treasured. Every surplus is perishable and therefore best given away. Dematerialization here is not loss but affirmation: what matters most cannot be owned — gratitude, recognition, welcome.
Материальная культура кочевников определяется лёгкостью — вещи переносимы, передаются, чинятся, ценятся. Любой излишек скоротечен и потому лучше подарить его. Дематериализация здесь — не утрата, а подтверждение того, что самое важное нельзя присвоить: благодарность, признание, гостеприимство.

This spirit shapes the opening chapter, where artists build a shared habitat of generosity and exchange. Farid Rasulov’s “The Caravanserai of Generosity” transforms the gallery into a contemporary caravanserai draped in Azerbaijani textiles — an evocation of Silk Road shelters where travellers traded goods, stories and rest.
Этот дух формирует первую главу, где художники создают общее пространство щедрости и обмена. «Караван-сарай щедрости» Фарида Расулова превращает галерею в современный караван-сарай, украшенный азербайджанскими тканями — напоминание о шелковых постоялых дворах, где путники делились вещами, историей и отдыхом.

Nearby, Maaya Wakasugi draws from the ancient belief that to live fully is to practice art. His new work “The Memory of the Flag” reinterprets the Chinese character “遊” — “to wander” — transforming the fluttering spirit-flag into a symbol of the modern nomad: anchored not by territory, but by culture, movement and connection.
Рядом Маая Вакасуги обращается к древнему убеждению, что жить полноценно — значит заниматься искусством. В его новой работе «Память флага» переосмысляется китайский иероглиф «遊» — «странствовать», превращая развевающийся флаг-дух в символ современного кочевника: укоренённого не в территории, а в культуре, движении и связях.

Completing the chapter, Mamali Shafahi channels the lyricism of Persian poetry, while Roberta Marroquin captures the quiet contentment of Bhutanese life. Together, they dissolve borders between ornament and philosophy, object and offering.
Завершая главу, Мамали Шафаи передает лирику персидской поэзии, а Роберта Маррокин запечатлевает тихое удовлетворение жизни в Бутане. Вместе они стирают границы между орнаментом и философией, объектом и даром.

Chapter II: Sacred Nature

Глава II: Священная природа

If Dematerialization explores what can be carried, Sacred Nature reveals what sustains. Nomadic cultures have long lived in partnership with their environments, reading cycles of storms and renewal as cosmological truth: endings give rise to beginnings.
Если «Дематериализация» исследует то, что можно нести с собой, то «Священная природа» показывает то, что поддерживает жизнь. Кочевые культуры веками существовали в партнёрстве с природой, читая циклы бурь и обновления как космологическую истину: завершения рождают начала.

At its heart is Almagul Menlibayeva’s “Transoxiana Dreams”, a luminous installation set around the vanished Aral Sea — now the Aralkum Desert. Through the eyes of a fisherman’s daughter, hybrid centaur figures emerge from heat and memory, merging myth, ecology and ancestral resilience.
В центре главы — «Transoxiana Dreams» Алмагуль Менлибаевой, световая инсталляция, основанная на образе исчезнувшего Аральского моря — ныне пустыни Аралкум. Через взгляд дочери рыбака в мареве появляются гибридные кентавры, соединяя миф, экологию и наследованную стойкость.

Surrounding works extend this dialogue: Jon McCormack photographs the Maasai of Kenya; Heather Mattera evokes Iceland’s geothermal mysticism; Lynda Draper shapes dreamlike ceramic relics; Fansack reflects Tibetan sacred peaks; Juliette Somnolet turns discarded windows into quiet icons.
Окружающие работы продолжают этот диалог: Джон Маккормак снимает масаев Кении; Хизер Маттеравоплощает геотермальную мистику Исландии; Линда Дрейпер создаёт сновидческие керамические реликвии; Фансак обращается к священным вершинам Тибета; Жюльетт Сомноле превращает устаревшие окна в тихие иконы.

Together they form a vision of sacred ecology — an invitation to live with attentiveness, humility and reciprocity.
Вместе они формируют видение священной экологии — приглашение жить внимательнее, скромнее и взаимно.

A Living Practice

Живая практика

Nomad’s Breath is more than an exhibition; it is an inhabited experience. Visitors are invited to pause in a yurt, sit at a shared table, listen to echoes of ritual and voice. Each work asks us to inhale the present moment and imagine futures shaped not by possession but by partnership.
Nomad’s Breath — это больше, чем выставка; это проживаемый опыт. Посетителям предлагают остановиться в юрте, посидеть за общим столом, услышать отголоски ритуала и голоса. Каждая работа предлагает вдохнуть текущий момент и представить будущее, основанное не на обладании, а на партнёрстве.

{gallery}gesteparis8{/gallery}  

 

Noor Riyadh 2025 освещает город

Presented by Riyadh Art under the Royal Commission for Riyadh City (RCRC), the fifth edition of Noor Riyadh will illuminate the capital every night from 20 November to 6 December 2025.
Пятая редакция Noor Riyadh, организованная Riyadh Art под эгидой Королевской комиссии города Эр-Рияд (RCRC), будет освещать столицу каждый вечер с 20 ноября по 6 декабря 2025 года.

This year’s festival is curated under the theme “In the Blink of an Eye,” highlighting the rapid transformation shaping Riyadh. Large-scale artworks are distributed across six locations, blending seamlessly with both heritage sites and the sleek modernity of Riyadh’s award-winning metro system and contemporary architecture.
В этом году фестиваль проходит под темой «В мгновение ока», отражающей стремительные перемены, формирующие Эр-Рияд. Крупномасштабные арт-объекты размещены в шести локациях, органично сочетаясь как с историческими зданиями, так и с современной архитектурой и отмеченной наградами метро.

Curated by Mami Kataoka (Curatorial Advisory Lead; Director, Mori Art Museum, Tokyo), Riyadh-based curator Sara Almutlaq, and Li Zhenhua (curator and founder of Beijing Art Lab), the festival presents 60 artworks by 59 artists from 24 countries, including more than 35 new commissions.
Под кураторством Мами Катаоки (руководитель кураторского совета; директор Музея Мори в Токио), саудовского куратора Сары Альмутлак и Ли Чжэньхуа (куратора и основателя Beijing Art Lab) фестиваль представляет 60 работ 59 художников из 24 стран, включая более 35 новых произведений.

"Each year, Noor Riyadh grows in ambition and impact,” says Nouf Almoneef, Festival Director. “We champion artists, strengthen the creative economy, and build bridges between Saudi talent and the international arts community.”
«Каждый год Noor Riyadh растёт в масштабе и значимости, — говорит Ноф Алмуниф, директор фестиваля. — Мы поддерживаем художников, укрепляем творческую экономику и создаём связи между саудовскими авторами и международным арт-сообществом».

Among the most anticipated artworks are:
Среди самых ожидаемых работ:

László Zsolt Bordos (Hungary), Astrum, 2025 — Powerful beams atop Al Faisaliah Tower become a planetary compass, tracing celestial bodies in real time and turning the skyline into an astronomical stage.
Ласло Жолт Бордош (Венгрия), Astrum, 2025 — Мощные лучи на вершине башни Аль-Файсалия превращаются в планетарный компас, отслеживая небесные тела в реальном времени и превращая небоскрёб в астрономическую сцену.

Vali Chincișan (Romania), The Vision Grid, 2025 — The KAFD Metro Station façade morphs into a shifting matrix of light and sound, synchronized to an electronic score.
Вали Чинчишан (Румыния), The Vision Grid, 2025 — Фасад станции метро KAFD превращается в меняющуюся матрицу света и звука, синхронизированную с электронной композицией.

Christophe Berthonneau (France), Synthesis, 2025 — Architecture merges with drone choreography and mapping in a kinetic performance co-created with László Zsolt Bordos.
Кристоф Бертонно (Франция), Synthesis, 2025 — Архитектура соединяется с хореографией дронов и мэппингом в кинетическом перформансе, созданном совместно с Ласло Жолтом Бордошем.

fuse (Italy), Luna Somnium, 2025 — A multisensory lunar experience born from detailed scientific data, set inside a monumental metal structure.
fuse (Италия), Luna Somnium, 2025 — Мультисенсорный лунный опыт, созданный на основе научных данных и помещённый в монументальную металлическую конструкцию.

James Clar (Philippines & USA), When the Sky Reaches the Ground – (a moment frozen), 2025 — A giant sculptural bolt of frozen lightning symbolizes both technological power and the velocity of modern communication.
Джеймс Клар (Филиппины & США), When the Sky Reaches the Ground – (a moment frozen), 2025 — Гигантская скульптура «замёрзшей молнии» символизирует технологическую мощь и стремительность современного общения.

Fatma Abdulhadi (Saudi Arabia), Keep your eyes on the light: Into Another Garden, 2025 — A poetic shadow garden suspended in translucent fabrics offers a space for contemplation and healing.
Фатма Абдулхади (Саудовская Аравия), Keep your eyes on the light: Into Another Garden, 2025 — Поэтичный теневой сад, парящий в полупрозрачных тканях, дарит пространство для размышления и исцеления.

Ahmad Angawi (Saudi Arabia), Algorithms of Light: The Falcon, 2025 — A tribute to Najdi Sadu patterns and the Saudi falcon, expressing rhythm, geometry, and quiet permanence.
Ахмад Ангауи (Саудовская Аравия), Algorithms of Light: The Falcon, 2025 — Оммаж узорам Саду и саудовскому соколу, выражающий ритм, геометрию и тихую устойчивость.

Alex Schweder (USA), Clockwise Invitations, 2025 — A luminous inflatable environment activated by visitors, where shifting chambers and corridors turn movement into collective choreography.
Алекс Шведер (США), Clockwise Invitations, 2025 — Световая надувная инсталляция, оживающая благодаря посетителям: камеры и переходы смещаются, превращая движение в совместную хореографию.

Festival locations span the city, from Riyadh Art space at JAX District to architecturally iconic metro stations and historic districts like Qasr Al Hokm and the King Abdulaziz Historical Center.
Фестивальные локации охватывают город от арт-пространства в JAX District до знаковых станций метро и исторических районов, таких как Каср Аль-Хукм и Исторический центр имени короля Абдулазиза.

Since 2021, Noor Riyadh has drawn more than 9.6 million visitors and showcased over 550 artworks by 500 artists from around the world. A rich public program continues to unite communities through creativity, workshops, and dialogue.
С 2021 года Noor Riyadh привлёк более 9,6 миллионов посетителей и представил свыше 550 работ 500 художников со всего мира. Обширная публичная программа продолжает объединять сообщества через творчество, мастер-классы и диалог.

Paris Photo 2025: Где встречаются лучшие фотографы мира

By Maya Baghirova

Paris Photo returns to the Grand Palais for its 28th edition, taking place from 13 to 16 November 2025 — reaffirming its status as the world’s leading international fair dedicated to photography and the photographic image.
Paris Photo возвращается в Гран-Пале с 13 по 16 ноября 2025 года, отмечая свою 28-ю редакцию и подтверждая статус ведущей международной ярмарки, посвящённой фотографии и визуальному искусству.

This year, Paris Photo proudly announces a total of 222 exhibitors, including 179 galleries and 43 publishers from 33 countries — with 60 newcomers and returning participants enriching the global perspective of the fair.
В этом году Paris Photo с гордостью объявляет о 222 участниках, среди которых 179 галерей и 43 издателя из 33 стран — а 60 новых и вернувшихся участников усиливают международное разнообразие ярмарки.

Florence Bourgeois (Director) and Anna Planas (Artistic Director) share their vision for the 2025 edition: a photography fair fully open to the world, shaped by contemporary issues, focused on transmission, diversity of creative languages, and the breaking of traditional boundaries.
Директор Флоренс Буржуа и художественный директор Анна Планас раскрывают своё видение ярмарки 2025 года: фотографии как открытого миру искусства, отражающего современные вызовы, опирающегося на преемственность, разнообразие визуальных практик и стремление выходить за пределы привычных форматов.

Paris Photo 2025 presents a rich and dynamic cultural program: a major new collection exhibition, a series of talks and conversations, the Elles × Paris Photo initiative highlighting women artists, book signings, the Paris Photo–Aperture Book Awards, partner exhibitions, and much more.
Paris Photo 2025 предлагает насыщенную культурную программу: премьерную выставку коллекции, серию дискуссий, инициативу Elles × Paris Photo, посвященную женщинам-фотографам, автограф-сессии, премию Paris Photo–Aperture, партнерские выставки и многое другое.

Beyond the fair itself, Paris becomes a city-wide celebration of photography: museums, foundations, and galleries host parallel exhibitions, creating a vibrant artistic itinerary throughout the capital during Paris Photo.
За пределами ярмарки Париж превращается в масштабный фестиваль фотографии: музеи, фонды и галереи организуют сопутствующие выставки, формируя яркий культурный маршрут по всей столице на время Paris Photo.

{gallery}parisphoto25{/gallery}  

 

Dual-Site Exhibition at the Chapel of Santa Maria della Pietà, Venice, and Long Museum, Shanghai (2026)

Wallace Chan, Vessels of Other Worlds, Work in Progress

Renowned artist Wallace Chan will unveil Vessels of Other Worlds, his most ambitious and visceral project to date, in a landmark dual-site exhibition across Venice and Shanghai in 2026, coinciding with his 70th birthday. Curated by James Putnam, this major exhibition introduces a striking new series of monumental titanium sculptures, expanding both the spatial and conceptual dimensions of Chan’s practice.

Знаменитый художник Уоллес Чан представит свой самый масштабный и чувственный проект — Vessels of Other Worlds («Сосуды иных миров») — в формате уникальной двойной выставки, проходящей одновременно в Венециии Шанхае в 2026 году, к своему 70-летию. Куратором экспозиции выступает Джеймс Патнэм, а в центре внимания — новая серия монументальных скульптур из титана, расширяющих пространственные и концептуальные границы художественной практики Чана.

Following the success of his three previous exhibitions during the Venice Biennale — Titans (2021), Totem (2022) at Fondaco Marcello, and the Transcendence (2024) soundscaped by Brian Eno at the Chapel of Santa Maria della Pietà, which attracted over 30,000 visitors in just three months — Vessels of Other Worlds marks a bold new chapter in the artist’s oeuvre.

После успеха трёх предыдущих проектов, представленных в рамках Венецианской биеннале — Titans (2021) и Totem (2022) в Fondaco Marcello, а также Transcendence (2024), созданного при участии Брайана Ино в капелле Санта-Мария-делла-Пьета и собравшего более 30 000 посетителей за три месяца — новая выставка Vessels of Other Worlds открывает смелую страницу в творчестве художника.

The first exhibition opens on 8 May 2026 at the Chapel of Santa Maria della Pietà, coinciding with the 61st International Art Exhibition of La Biennale di Venezia. The second, parallel exhibition will open at the Long Museum, Shanghai, on 18 July 2026.

Первая часть выставки откроется 8 мая 2026 года в капелле Санта-Мария-делла-Пьета и совпадет с 61-й Международной художественной выставкой Венецианской биеннале. Параллельная экспозиция в Long Museum в Шанхае начнётся 18 июля 2026 года.

In Venice, three titanium sculptures inspired by Olea Sancta—the three sacred oils used in Catholic rituals—will be displayed on the chapel’s altar. A triptych of video screens will serve as a secret portal, revealing the monumental counterparts on view in Shanghai. These fantastical forms, symbolising birth, growth, and death, draw inspiration from Hieronymus Bosch’s The Garden of Earthly Delights. Suspended titanium elements will resemble floating drops of oil, infusing the chapel with a sense of movement and transcendence.

В Венеции будут представлены три титаново́е скульптуры, вдохновлённые Olea Sancta — тремя святыми маслами, используемыми в католических обрядах благословения. На алтаре капеллы разместится видео-триптих, который станет «порталом» к их монументальным двойникам в Шанхае. Эти фантастические формы, символизирующие рождение, рост и смерть, навеяны «Садом земных наслаждений» Иеронима Босха. Вокруг центральных работ парящие титаново́е элементы создадут ощущение текучести и преображения.

At the Long Museum in Shanghai, visitors will encounter the same vessels, magnified to heights of seven, eight, and ten metres. The central sculpture will invite audiences to step inside and explore its kaleidoscopic interior, featuring mirrored apertures inspired by Chan’s signature gemstone-cutting technique, the Wallace Cut. Works from his earlier Venice exhibitions—Transcendence, Titans, and Totem—will also be shown, connecting both cities in a shared artistic dialogue.

В Long Museum в Шанхае зрителей встретят те же три «сосуда», но увеличенные до высоты семи, восьми и десяти метров. В центральную скульптуру можно будет войти, чтобы увидеть её калейдоскопический интерьер с зеркальными проёмами, отсылающими к фирменной технике Чана — Wallace Cut. Также будут представлены работы из его предыдущих венецианских выставок — Transcendence, Titans и Totem, объединяющие два города в общем художественном пространстве.

“Both Venice and Shanghai are tied to water — its shifting states and its power to hold, reflect, and transform,” says Chan. “These vessels are containers of memory and spirit, sculpted in titanium — a material closest to eternity. Like water, they hold what cannot be held: moments, emotions, and time itself.”

«И Венеция, и Шанхай связаны с водой — с её изменчивыми состояниями и способностью хранить, отражать и преображать», — говорит Чан. «Эти сосуды — вместилища памяти и духа, созданные из титана — материала, ближе всего к вечности. Подобно воде, они удерживают то, что невозможно удержать: мгновения, эмоции и само время».

By linking Venice and Shanghai, Vessels of Other Worlds transcends geography, creating an experience that is at once physical, spiritual, and timeless.

Соединяя Венецию и Шанхай, проект Vessels of Other Worlds выходит за пределы географии, создавая одновременно физическое, духовное и вневременное переживание.

Exhibition Dates:
Pietà Chapel, Venice — 8 May – 18 October 2026
Long Museum (West Bund), Shanghai — 18 July – 25 October 2026

Даты выставки:
Капелла Пьета, Венеция — 8 мая – 18 октября 2026 года
Mузей Long (West Bund), Шанхай — 18 июля – 25 октября 2026 года